"Ahora manda la triple `P`: papel, pantalla, pared" Rafa Badia

“Ahora manda la triple “P”: papel, pantalla, pared» Rafa Badia

Desde la óptica que te brinda tu dilatada experiencia como docente de fotografía en Barcelona , ¿ cuál son los caminos que transita la fotografía documental española en la actualidad?

Veo varias líneas que corren en paralelo. Por una parte continuamos con mejor tradición del fotorreportaje con los ya bautizados como “Generación Espanto” (Samuel Aranda, Guillem Valle, Santi Palacios, Manu Brabo, Anna Surinyrach… ) muchos fogueados como reporteros de guerra durante la llamada Primavera Árabe. También contamos con documentalistas de largo recorrido, como el colectivo Ruido y sus fotos de Centroamérica. No faltan tampoco los autores sociales más subjetivos (en el mejor sentido del término), como David Salcedo y Mingo Venero; o la aportación fresca y relativa a la identidad, género e influencia de las nuevas tecnologías que proponen autoras reconocidas internacionalmente, caso de Laia Abril. Por si fuera poco, creo que hay una muy buena camada de foto de calle, urbana o directa (como se prefiera etiquetar) repartida por toda la Península Ibérica. No quiero olvidar aquellos más o menos afines a la corriente británica actual y/o a la estética del “No-Lugar” caso de Txema Salvans, Martí Gasull, Salvi Danés. Un panorama rico e interesante, vamos.

Después de tantos “un café y un PDF”, de conocer de primera mano tantísimos trabajos documentales de tus alumnos; ¿cuál es la tendencia de las nuevas generaciones: mirar “hacia adentro” o “hacia afuera” en la búsqueda de temas para sus trabajos?

De todo hay. Aunque reconozco que cada vez se tiende más al “mirar hacia adentro”, sobre todo en el caso de los jóvenes nativos digitales, nacidos y crecidos en la hiperproliferación de la imagen. Tienden a explicarse a sí mismos y a su entorno inmediato a través de las imágenes. Una buena opción, pero no la única a elegir.

Hoy en día, parece una utopía que un fotógrafo pueda vivir de su trabajo: ¿hablas de todo ello con los alumnos? ¿a qué conclusiones llegan?

La conclusión es que hay que diversificar. No apostar sólo por una salida, como era, hasta hace 10 o 15 años, los medios de comunicación. Ahora manda la triple “P”: papel, pantalla, pared. Y seguir estrategias de comercialización, distribución y exhibición usuales en el mercado del arte. Ya no basta con hacer buenas fotos y procurar venderlas a un medio editorial.

Ahora manda la triple “P”: papel, pantalla, pared. Y seguir estrategias de comercialización, distribución y exhibición usuales en el mercado del arte. Ya no basta con hacer buenas fotos y procurar venderlas a un medio editorial.

Vivimos inmersos en una cultura visual que tiende al saturamiento ¿Cómo se consigue captar la atención del público?

Proponiendo algo cualitativamente diferente. Una mirada y un tratamiento propio. Hacen falta más discursos elaborados con cariño y sin prisas. Vivimos en la era de la urgencia permanente, lo cual no es bueno para un medio, la fotografía que, a pesar de su apariencia instantánea, en realidad trabaja con la reflexión.

La ventaja es que con la tecnología digital es más fácil emitir tu mensaje  que en los años analógicos o argénticos, en los que eras “invisible” si una estructura superior (diario, editorial, galería…) no confiaba en tu propuesta. Algo similar creo que ocurre, por ejemplo, con el mundo de la música popular (rock, pop, nuevo jazz…). Otra cuestión es saber si, además de poder hacerte un pequeño hueco en el panorama fotográfico, consigues vivir de ello.  

Desde tu criterio,  ¿qué tiene que tener un buen trabajo documental para que tenga éxito?

La elección de un tema poco tratado (no digo que no se haya tratado, porque eso ya es imposible), desde una nueva perspectiva y, siempre, siempre, realizado con rigor y documentación. En esto último el tiempo es un factor que juega a favor del fotógrafo: cuanto más amplio sea el periodo dedicado a todas las fases (documentación, toma y edición) mejor.

Rafa, como sé que a ti te gustan frases ingeniosas de fotógrafos,  a continuación te voy a poner algunas para que me des tu opinión al respecto:

“ el arte puede mentir, la fotografía debe contar la verdad. Por eso yo no me considero un artista, sino un historiador visual” Ara Güler

Ara Guler pertenece a la generación clásica del fotodocumentalismo desarrollada, sobre todo, durante la llamada Edad dorada (1936-69). En el fondo lo que hace el maestro turco es recordar que la fotografía, como lenguaje, está al servicio del común de los mortales, el nuevo hombre tecnológico surgido en el siglo XX, tal como propone Walter Benjamín en su ensayo “Sobre la fotografía”. No me parece que Güler desprecie el arte, sino que hace ejercicio de modestia a la vez que realza el papel del fotógrafo como documentalista de la realidad. Creo que es una cita muy interesante en tiempos en los que la fotografía tiende a ser fagocitada por las implacables reglas del mercado del arte, fotografía documental incluida.

“una fotografía es la ilusión de una descripción literal, de cómo vio la cámara un trozo de tiempo y de espacio” Garry Winogrand

«Ilusión» es la palabra clave de la cita: no hay visiones objetivas, sino subjetivas de la realidad, puesto que parten de un punto de vista personal, el del fotógrafo. La ilusión haría referencia no solo al deseo de captar algo, sino a lo alejada que puede (y casi diría “debe”) estar de la objetividad mecánica despersonalizada. El fotógrafo documental es, lo quiera o no, un intérprete, un filtro de la realidad. Su mirada modifica lo que se muestra. Es inevitable…y parte del encanto.

“la fotografía puede ser verosímil pero no verdadera” Joan Fontcuberta

Tesis interesante…y peligrosa. Puede servir para devaluar toda la corriente documental comprometida con la realidad, el clásico reportaje social, por ejemplo. Acepto que la fotografía no puede ser objetiva. Pero sí honesta. En esto creo que soy un idealista clásico de izquierdas. No diré que la fotografía puede cambiar el mundo, pero desde luego si llamar la atención sobre horrores que pasarían desapercibidos si las cámaras no estuvieran allí.

Respecto a la fotografía “creativa” si coincido con Fontcuberta, en tanto que, según la idea de John Szarkowski, todas las imágenes “espejo” (frente a la “ventana” documental) son, de una manera u otra, puestas en escena. Ficciones más o menos verosímiles, pero no verdaderas en sentido estricto.

“antes la fotografía era escritura. Hoy es lenguaje” Joan Fontcuberta

Yo diría que antes la fotografía era documento que desafiaba al tiempo (se hacía para comunicar y, no menos importante, dar fe de la existencia de algo pasajero; es decir, se hacían para durar), mientras que ahora el 99% de las imágenes (selfies,  capturas con móviles, etc. ) se han crean “sólo” para comunicar algo. Una vez compartidas, se pueden borrar y desaparecer, ya que su función está cumplida. En este sentido las nuevas imágenes son, esencialmente, lenguaje emitido por el colectivo de la población en general, al menos la occidental.

“¿Por qué limitar el uso de la fotografía a documentos u obras de arte?. Hay que usarla para contar historias” Cristina de Middel

Me parece perfecta la propuesta de Cristina pero me hace gracia que lo haga justamente ella, cuyas historias se insertan (por no decir que se crean) para convertirse en obras de arte. Si no dentro del concepto tradicional de arte-como-expresión-del-autor/a,  si como parte de lo que es un negocio: basta ver cómo se cotizan sus fotolibros, que alcanzan precios astronómicos en un  mercado de coleccionistas que tienen a Martin Parr y a Gerry Badger como principales prescriptores de opinión a nivel internacional.

Rafa Badia. Santa Cruz de Tenerife, 1964. Fotógrafo, editor gráfico y profesor. Miembro fundador del colectivo de fotografía urbana Calle 35. Ha publicado dos libros que combinan fotografías de calle y poemas: A Barcelona  (Ed. Arola, 2009) y Barcelona Blues (Ed. GrisartMedia, 2015).

Enlace:
www.rafabadia.net