Feng Li, el fotógrafo de un solo proyecto
Feng Li, el fotógrafo de un solo proyecto
Reflexiones en QuitarFotos por Alberte Pereira
Llegué a este fotógrafo a través de un artículo publicado en el magnífico portal American Suburb X. Me pareció muy interesante su forma de entender la fotografía. Poco después compré su libro White Night y ya me enganchó.
Feng Li nació en uno de los barrios antiguos de Chengdu, China, en 1971. Aunque trabaja como fotógrafo oficial en el departamento de comunicación provincial, compagina este con su fotografía más personal y de autor.
Fotografía de forma directa, sin artificios ni restricciones estéticas, utilizando de manera habitual el flash y el formato vertical, Li retrata la vida diaria de los barrios de su ciudad, Chengdu.
«Me gustan los lugares concurridos. Me interesan las personas, son mi principal fuente de inspiración. Nunca he sentido el deseo de ir más allá de Chengdu, e incluso más allá de ciertos barrios para encontrar inspiración” comenta Li en la entrevista reseñada.
«Me gustan los lugares concurridos. Me interesan las personas, son mi principal fuente de inspiración. Nunca he sentido el deseo de ir más allá de Chengdu, e incluso más allá de ciertos barrios para encontrar inspiración”
Li define su estilo fotográfico más como su actitud y posición ante la vida, la forma en la que mira todo lo que fluye a su alrededor. Entiende que la realidad en la que vivimos es absolutamente surrealista y absurda. No le interesa el “instante decisivo” ni las cuestiones puramente estéticas. Para él el momento es ahora y nunca esperará en un lugar a que suceda. Sus fotografías son encuentros inesperados.
Todas sus imágenes son parte de una sola serie, White Night, ahora en forma de fotolibro en la que ha invertido diez años, de 2005 a 2015. Tal y como el propio Li señala, “no voy de proyecto en proyecto, nutro un proyecto incansablemente. No me importan las historias o los contextos de los temas o las configuraciones, no me importa si mis imágenes no tienen una leyenda. A veces, cuando tengo una exposición, las galerías me piden que le dé títulos a mis imágenes, así que puedo agregar una fecha y un lugar, pero es irrelevante para mí y esta es la diferencia entre los fotoperiodistas y yo. Mis fotos son sobre la realidad, pero mi proceso es puramente subjetivo».
«… A veces, cuando tengo una exposición, las galerías me piden que le dé títulos a mis imágenes, así que puedo agregar una fecha y un lugar, pero es irrelevante para mí y esta es la diferencia entre los fotoperiodistas y yo. Mis fotos son sobre la realidad, pero mi proceso es puramente subjetivo».
Según el propio autor, un pasaje del Antiguo Testamento que dice «De día se topan con tinieblas y, a mediodía, andan a tientas como de noche» es la mejor definición de White Night.
Feng Li consiguió varios reconocimientos en China, como el premio Jinan Photography Festival y el Lianzhou Foto Jury Prize en 2012, y exhibió White Night en Zongmu Photography Biennale y en el Museo Nua de Nankin en 2016. Li se da a conocer en Occidente el pasado año al ser seleccionado su fotolibro White Nights como uno de los mejores por la fundación Paris Photo-Aperture.
Enlaces Feng Li
Instagram Feng Li – https://www.instagram.com/fenglee313
Paris Photo-Aperture
https://aperture.org/blog/2017-photobook-awards-shortlist/
Video libro White Night en Vimeo
https://vimeo.com/229865461
Libro White Night en Dispara.org
http://dispara.org/tienda/es/libros/1445-feng-li-white-night.html
Escuchar la ciudad
Escuchar la ciudad
Reflexiones en QuitarFotos por Alberte A. Pereira
“Estoy interesado en cómo el paisaje urbano tiene el poder de decir cosas y cómo la fotografía se puede convertir en una herramienta para escuchar –lo que el sociólogo Les Back describe como el ‘arte de escuchar’-”, comentaba Paul Halliday en una entrevista que le realizaron hace unos años.
En esa misma entrevista criticaba a la corriente de fotógrafos de calle que se basan en la “flanerie” y que producen “imágenes que siguen los usuales y bien documentados clichés de la corriente principal de la fotografía de calle –lo gracioso y lo extraño–“. Halliday argumentaba que, desde su punto de vista, esa forma de generar imágenes le parece inútil. Comentaba que le interesa más el “vagabundeo intuitivo” y los “desvíos urbanos” como herramienta para ‘escuchar la ciudad’.
En ese sentido tengo que reconocer que, personalmente, cada día me interesa más esta forma de entender la fotografía documental más urbana. Una práctica que explore, observe y represente, desde un punto de vista de autor el espacio urbano y deje de lado la repetición de imágenes curiosas, anecdóticas o donde reina el instante decisivo. Confieso que me resulta difícil salirme de esos cánones prefijados, encorsetados y llenos de normas y reglas que solo restringen.
Estoy interesado en cómo el paisaje urbano tiene el poder de decir cosas y cómo la fotografía se puede convertir en una herramienta para escuchar –lo que el sociólogo Les Back describe como el ‘arte de escuchar’-”
Es muy interesante dejarse llevar por la deriva y descubrir una ciudad. Salir al encuentro donde aparentemente no sucede nada, observar y mirar para después registrar. Porque como bien dice Óscar Colorado, “ver es un acto biológico, observar un acto intelectual, mirar un acto cultural” que tiene mucho en común con el “arte de escuchar la ciudad” al que hacía referencia al principio de esta reflexión.
Enlaces en Escuchar la Ciudad, Reflexión de Alberte Pereira
Anthony Hernandez: El desarrollo de un estilo propio
Anthony Hernandez: El desarrollo de un estilo propio
Reflexiones en QuitarFotos por Alberte A. Pereira
Anthony Hernandez es un fotógrafo americano nacido en Los Ángeles en 1947, ciudad en la que sigue viviendo.
Hernandez inició sus estudios de fotografía en 1965 en el East LA College. Poco después fue reclutado para servir en Vietnam, 1967-1969. En 1970 empezó a tomar sus primeras fotografías en el lugar donde se sentía más cómodo, el centro de Los Ángeles.
Hace meses compré mi primer libro de fotografía de este fotógrafo. El libro se titula «Anthony Hernandez» y es el catálogo de la exposición retrospectiva que realizó entre el 24 de septiembre del año pasado y finalizó el 2 de enero de 2017 en el Museo de Arte Moderno de San Francisco (SFMOMA). Exposición y libro hacen un recorrido a través de 160 fotografías por los más de 45 años de carrera de este importante fotógrafo estadounidense.
En él se percibe claramente la evolución de su extenso y variado trabajo y cómo va desarrollando un estilo propio dentro de la fotografía de calle.
Explora constantemente nuevas formas y temas de la calle. Comienza en blanco y negro para pasar al color; también hace la transición del 35mm al gran formato, de las escenas callejeras donde el elemento humano es siempre visible, al paisaje y detalles abstractos, donde lo humano se supone o se intuye cerca, pero no se ve.
Explora constantemente nuevas formas y temas de la calle. Comienza en blanco y negro para pasar al color; también hace la transición del 35mm al gran formato, de las escenas callejeras donde el elemento humano es siempre visible, al paisaje y detalles abstractos, donde lo humano se supone o se intuye cerca, pero no se ve. «Puede ser que ya no aparezcan personas en sus imágenes, pero nunca están muy lejos del encuadre» recuerda Emily Manning en una entrevista realizada al autor.
«Puede ser que ya no aparezcan personas en sus imágenes, pero nunca están muy lejos del encuadre» recuerda Emily Manning en una entrevista realizada al autor.
Así, son las calles de LA y sus gentes lo primero que aparece en el libro, donde se percibe la influencia de Garry Winogrand, al que había conocido de la mano de John Szarkowky en 1970. Le siguen las series «Automotive Landscapes», «Public Use Areas» y «Public Fishing Areas». En todas ellas ofrece imágenes de la vida cotidiana de la gente trabajadora.
Continúa con retratos de los compradores del lujoso Rodeo Drive, realizados entre 1984-1985, en ellos, contrariamente a las series anteriores, explora la idea de lujo y consumo de la era Reagan, siendo esta la última en la que aparecen personas en sus fotografías y la primera donde usa el color, algo que ya no abandonaría.
A partir de aquí, Hernandez se centra en las evidencias de la existencia humana y su impacto sociopolítico. Como en algunas de las fotos de la serie «Landscapes for the Homeless», en las que muestra campamentos improvisados de personas sin hogar, debajo de puentes de autopista o cerca de Los Ángeles. Contrastes sociales tanto en el contenido como en el modo de mostrarlos.
A todo esto, le sigue ya un trabajo mucho más conceptual y/o abstracto, con parte de las series «Pictures for Rome» entre otras, donde muestra detalles de edificios abandonados periféricos de la ciudad. Acaba con «Signs and traces», que abarca el período 1996-2014, con fotografías recientes, donde aparecen imágenes de las series «Everything», en la que hace una recopilación de desperdicios en el río; «Discarded», en las que muestra las secuelas de la crisis de las hipotecas subprime y «Forever», donde vuelve y revisa los lugares y campamentos de las personas sin hogar desde otra perspectiva.
Un libro que hace un recorrido cronológico por todo su trabajo y donde se ve el desarrollo y evolución de un estilo propio, en el que la crítica social está siempre presente.
Enlaces
Web de Anthony Hernandez
http://anthonyhernandezphotography.com
Museo de Arte Moderno de San Francisco (SFMOMA)
https://museumstore.sfmoma.org/
Anthony Hernandez – Catálogo (Libro)
https://museumstore.sfmoma.org/books/sfmoma-publications/anthony-hernandez.html
La influencia de la relación aspecto en el mensaje
La influencia de la relación aspecto en el mensaje
Reflexiones en QuitarFotos por Alberte A. Pereira
Quizás no todo el mundo lo tiene en cuenta, o si, pero es evidente que la relación aspecto de nuestras fotografías, tiene una influencia importante en el mensaje que queremos transmitir.
Tanto el mensaje como el lenguaje visual cambia en función de nuestra elección en la relación aspecto, así como la orientación, horizontal o vertical. Y eso es algo a tener en cuenta a la hora de abordar sobre todo, trabajos personales y series, pero también en fotos únicas.
Hay fotógrafos que han elegido un tipo de relación aspecto para realizar trabajos concretos que, por decirlo de alguna manera, se aparta de lo más habitual actualmente. Así Josef Koudelka en “Chaos” elige el panorámico en todas sus fotos y formatos tanto horizontales como verticales. En ellas muestra poderosos paisajes de zonas abandonadas mostrando un amplio espacio en las de formato horizontal. Las verticales las agrupa haciendo que se complementen y creando efectos visuales muy interesantes en dípticos o trípticos.
Tanto el mensaje como el lenguaje visual cambia en función de nuestra elección en la relación aspecto, así como la orientación, horizontal o vertical. Y eso es algo a tener en cuenta a la hora de abordar sobre todo, trabajos personales y series, pero también en fotos únicas.
Por su parte, Virgilio Ferreira, en “Daily Pilgrims” -su ya comentado trabajo en QuitarFotos- utiliza un estático formato cuadrado, escapando de su férreo equilibrio con composiciones que huyen de la tendencia a focalizar el interés en el centro del encuadre. Así mismo, y como ya se comentó en su momento, utilizando el foco selectivo con los primeros planos desenfocados.
En general, los formatos horizontales transmiten serenidad, equilibrio y estabilidad mientras las verticales, están más asociados hacia el dinamismo y sensaciones más activas. Tampoco causa la misma sensación si el formato horizontal es de una relación 16:9, 3:2 o 4:3, y esas mismas relaciones de aspecto en vertical, agudizarán más o menos la sensación de dinamismo.
Parece obvio que a la hora de realizar un trabajo fotográfico, pensemos en estas cuestiones en función de lo que queramos transmitir, o si queremos utilizar diferentes formatos en el mismo trabajo, ya que, al igual que elegimos color o blanco y negro, todo influye en el resultado final.
Tanto el mensaje como el lenguaje visual cambia en función de nuestra elección en la relación aspecto, así como la orientación, horizontal o vertical.
Enlaces
Virgilio Ferreira, en Daily Pilgrims – http://quitarfotos.com/daily-pilgrims-o-cuando-el-error-se-convierte-en-expresion-visual/
“Chaos” de Koudelka: https://www.amazon.es/Chaos-Josef-Koudelka/dp/285107220X
"La fotografía siempre fue utilizada para manipular." Eutropio Rodríguez.
«La fotografía siempre fue utilizada para manipular.» Eutropio Rodríguez.
Entrevista en QuitarFotos a Eutropio Rodríguez por Alberte Pereira
Recuerdo la primera vez que hablé personalmente con Eutropio Rodríguez (Santiago de Compostela, 1969), en el Café Bar El Muelle de la capital gallega. Fue corta -al menos a mi me lo pareció- pero muy intensa y enriquecedora. Sobre todo al darme cuenta de que estaba delante de alguien que sabía mucho de fotografía y que tenía una larga experiencia. Además había conocido, coincidido o asistido a cursos con muchos fotógrafos que yo admiraba, entre otros Mary Ellen Mark, Alex Webb, Gervasio Sánchez, Atoine D’Agata, Jeff Merlmestein, Susan Meiselas, Bruce Davison, García Rodero, García Alix y un largo etc. La pasión por la fotografía se palpaba en cada palabra o frase que salía de su boca.
Fue uno de los fundadores de BlankPaper en 2003 y ahora mismo está embarcado en un nuevo proyecto formativo, la recién nacida Escuela Superior de Artes Visuales, 35.ESAV de Vigo.
Hablando contigo personalmente, se palpa tu pasión por la fotografía, salta a la vista. ¿Cuándo empezaste a darte cuenta de que la fotografía formaría parte de tu vida?
No lo se exactamente. Mi padre era aficionado a la fotografía y para mi estaba siempre ahí. Recuerdo sisarle la cámara para intentar captar una imagen que imaginaba o una emoción que había pasado por mi y que quería eternizar.
Recuerdo que en el brainstorming que supuso la inmersión fotográfica del ICP hacíamos una suerte de regresión, una especie de introspección, y en ese proceso recordé un día la primera foto que había hecho con la cámara de mi padre. Fue emocionante y al llegar de vuelta a su casa cuando acabó el curso la busqué en los negativos e hice una copia. Entonces esto fue como una ventana que me explicó muchos sentimientos y comportamientos de aquel momento, casi 25 años después de que con seis hiciese aquella imagen.
Mi padre era aficionado a la fotografía y para mi estaba siempre ahí. Recuerdo sisarle la cámara para intentar captar una imagen que imaginaba o una emoción que había pasado por mi y que quería eternizar.
¿Realizaste estudios de fotografía en España y en el Internacional Center of Photography de Nueva York. ¿Qué diferencias has apreciado a la hora de entender la fotografía entre los dos sistemas formativos?
Abismales. No puedo decir que no me aportase la escuela de fotografía de Santiago en aquel momento, pero los estudios de fotografía en ese punto eran descorazonadores y los profesores adolecían de la motivación necesaria para motivar a nadie. Faltaba pasión en aquellas aulas y precisamente era lo que a mi me sobraba. Aprendí los fundamentos técnicos yo solo, y eso fue muy bueno para mi. Y por otro lado buscaba algo, algo que no sabía lo que era, pero algo que veía necesario en mi camino como fotógrafo. En el último curso en Santiago llegó a mis manos información de lo que era el ICP y, aunque no había internet, empecé una relación epistolar con ellos para saber más y para comprobar si algún día podría formarme allí. La cosa fue a más rápidamente, fui becado con las becas de formación en el extranjero de la diputación de A Coruña y en septiembre del 97 estaba allí.
Lo cierto es que el ICP no tenía nada que ver con nada que hubiese visto antes, ni la escuela de fotografía, ni la facultad, ni siquiera buenos talleres a los que ya había asistido. El ICP eran 24 horas, era toda tu vida allí. La enseñanza allí era muy interdisciplinar, muy de colega a colega, y sobre todo muy profesional y de trabajo muy duro. Pero aparte de todo eso lo que más me influyó fue la dimensión de “la escuela de Nueva York” a la que tuve acceso. Adquirir una disposición psicológica y una disciplina emocional a la hora de trabajar. Precisamente eso era lo que yo intuía atrás en Santiago y que aquí conseguí incorporar.
Haces trabajos editoriales y comerciales, pero también tienes la vertiente más personal. ¿Cómo definirías tu trabajo fotográfico?
Pues algo muy curioso es que una de las críticas más rudas que siempre hacen a mi trabajo es que dicen que soy muy correcto. Me gusta contar historias mediante fotos y quizá en mi trabajo prevalece la serie incluso la secuencia como obra fotográfica, más que la foto individual. Me gusta mucho sumergirme en proyectos durante un tiempo largo, proyectos que me atrapan y me obsesionan y que transforman mi percepción del resto de la realidad, proyectos que me forman y me transforman como persona.
Estás a punto de publicar «Bestas». ¿Qué significa para ti ver tu trabajo personal plasmado en un libro?
Para mi la obra fotográfica completa es el libro. Siempre digo que hacer fotos es como fabricar los ladrillos con los que luego vamos a levantar el muro que es el libro. Poder contar una historia articulada con imágenes es uno de los éxtasis artísticos más sublimes que puedo llegar a experimentar. Cuando comienzo un proyecto siento que el libro futuro es el que me llama, y llama a las imágenes que voy construyendo. El libro futuro me anima cuando flaqueo, me conforta en las mojaduras, me acompaña en los kilómetros, me arropa en las noches al raso, etc.
Me gusta contar historias mediante fotos y quizá en mi trabajo prevalece la serie incluso la secuencia como obra fotográfica, más que la foto individual. Me gusta mucho sumergirme en proyectos durante un tiempo largo, proyectos que me atrapan y me obsesionan y que transforman mi percepción del resto de la realidad, proyectos que me forman y me transforman como persona.
Son muchas las voces que denuncian la precaridad laboral y la poca importancia que se le da al fotoperiodista en España. Tú que has publicado en prácticamente todos los medios españoles y en algunos de los más prestigiosos extranjeros, ¿crees que en el extranjero se valora más y se tiene más respeto por el trabajo de los reporteros gráficos?
Es una perspectiva absolutamente diferente, la americana y la europea. Creo que parte del punto de vista de que en Estados Unidos la prensa es uno de los poderes del estado de derecho y aquí es una molestia. La forma de trabajar en los medios es diametralmente opuesta. En Estados Unidos se trabaja en comunión con el redactor. Tienes un anticipo del texto antes de empezar a trabajar y también se te exige que tu trabajo sea mucho más completo para luego poder dar herramientas al editor y al redactor jefe. Entiendo que en medios de más nivel se toman la fotografía como información y en este país como mera ilustración salvo honrosas excepciones de algunos compañeros que trabajan de forma muy profesional. Profesionalidad que por otro lado no interesa a los medios: más incomodidad, más exigencia para todo el mundo, más enemigos, etc.
Hay teorías que sostienen que ciertas imágenes que circulan y se convierten en virales en las Redes Sociales, como la de Burhan Ozbilici, ganadora del World Press Photo de este año, son utilizadas por el poder para justificar sistemas de control y recortes de libertades con el argumento de garantizar “nuestra seguridad”. Antes se decía que servían para concienciar o para cambiar la realidad. ¿Qué opinión tienes al respecto?
Este es un discurso ya muy trallado. La fotografía siempre fue utilizada para manipular. Desde la eliminación de Troski junto a Stalin hasta la teatralización de la fotografía de guerra más famosa. De un modo u otro el poder de la fotografía, y mucho más desde la guerra de Vietnam, no pasó desapercibido para las clases dirigentes. Los que lean esto y hayan trabajado en prensa saben de lo que hablo, saben de la invención de las noticias, saben de cómo la mayoría de los titulares son orquestados, saben de cómo el presidente de nuestra particular república bananera únicamente coge la pala o acaricia al niño cuando como fotógrafo te acercas a él.
La fotografía siempre fue utilizada para manipular… Los que lean esto y hayan trabajado en prensa saben de lo que hablo, saben de la invención de las noticias, saben de cómo la mayoría de los titulares son orquestados, saben de cómo el presidente de nuestra particular república bananera únicamente coge la pala o acaricia al niño cuando como fotógrafo te acercas a él.
Esta es una pregunta retórica pero, ¿como crees que afectan las redes sociales a la fotografía?
Pues creo que las redes sociales y la proliferación de dispositivos fotográficos banalizan la fotografía, nos anestesian. Pero por otro lado, y esto puede parecer una contradicción, no tiene nada que ver la fotografía de las redes sociales con “la fotografía”. La fotografía exige unos ritmos, unos tiempos, una reflexión y un discurrir que la aceleración de las redes sociales no se puede permitir por su propia naturaleza. Al igual que lo que escribimos en redes o en un periódico no se puede llamar literatura, a disparar un dispositivo móvil no puede llamársele fotografía. La fotografía es otra cosa, es ajeno a la precariedad, a la premura y tiene más que ver con la reflexión, con la mirada, con la investigación de cualquier tipo.
¿Fuiste fundador en 2003 de BlankPaper. Ahora te embarcas en un nuevo proyecto formativo, la Escuela Superior de Artes Visuales, 35.ESAV de Vigo, donde eres el director del Máster de Fotografía de Autor y Documental. ¿Qué supone esta nueva etapa para tí y qué le dirías a los potenciales alumnos de la Escuela?
Mi otra vocación es la docencia de la fotografía. Soy docente por naturaleza, desde que empecé en la escuela de fotografía yo apuraba un poco el paso y otros compañeros me pedían luego que les enseñase procedimientos a los que todavía no habían llegado, así que para mi enseñar fotografía es algo consustancial a la práctica de esta. Por otro lado, hacía décadas que tenía guardado en el corazón poner en marcha un proyecto similar, y que suerte que Rubén de Torres me ofreció justamente poner en marcha lo que yo llevaba guardado dentro.
La Escuela Superior de Artes Visuales de Vigo, 35ESAV es una experiencia formativa interdisciplinar dentro de la fotografía. Un año en el que mis pupilos van a tocar todos los palos de la fotografía de autor más actual y en el que van a realizar un trabajo y un viaje de introspección a la fuente de sus motivaciones y de su identidad.
Curioso es que comencé el proyecto con una lista de 25 docentes entre los más destacados a mi parecer, en la fotografía tanto estatal como internacional y por el momento nadie me dijo que no.
Mi otra vocación es la docencia de la fotografía. Soy docente por naturaleza, desde que empecé en la escuela de fotografía yo apuraba un poco el paso y otros compañeros me pedían luego que les enseñase procedimientos a los que todavía no habían llegado, así que para mi enseñar fotografía es algo consustancial a la práctica de esta.
Y para terminar, me gustaría que digas lo que te sugieren los siguientes tres nombres relacionados con la fotografía: Gervasio Sánchez, Cristina García Rodero y James Nacthtwey.
Los tres fotógrafos que propones se encuadran todos dentro de la fotografía más clásica del siglo XX. Nos dejan los tres un gran legado de fotografía humanitaria y son referencia para mi, no puedo negar que sobre todo los dos últimos tienen mucha impronta en mi estilo, pero si debo ser honesto creo que sus discursos estéticos están superados hoy en día. Fueron los tres mis maestros en varias ocasiones y tanto con Cristina como con Jim mantengo todavía el contacto. Es de todos sabido que Nachtwey es el más grande fotógrafo de conflicto del mundo y “su disciplina del encuadre” fue referencia para hordas de fotógrafos de todo el planeta, así como su compromiso intachable con las injusticias más descarnadas del mundo.
Eutropio Rodríguez
Graduado en Fotografía Documental por el International Center of Photography de Nueva York y Licenciado en Historia del Arte por la Universidade de Santiago de Compostela, Eutropio Rodríguez combina su trabajo de fotógrafo comercial y editorial con proyectos documentales personales, de los que uno de ellos, «Bestas» está a punto de culminar con la publicación de un libro.
Eutropio fue premiado en diversos certámenes tales como el Premio Ksado de la Diputación de A Coruña y el Premio Caja España. Sus trabajos han sido publicados en medios como The New York Times y Rolling Stone Magazine-New York, así como en las revistas Time y Life. Su obra está presente en diversas colecciones: URJC, International Center of Photograpy, Caja España, etc. Expuso en salas de arte de la Igrexa da Universidade de Santiago de Compostela, Palacio de los Gobernadores San Roque-Cádiz, West Chelsea Building of Arts-Nova York, MACUF-A Coruña, Concello de Ourense-Outono Fotográfico, EFTI-Madrid, etc.
Como docente de fotografía impartió clase en el International Center of Photography de Nueva York en los años 2000 y 2001 y en la School for Social Research también de Nueva York en 1998. También es profesor de fotografía en el Museo Gas Natural-Fenosa-A Coruña, Centro de Arte Aire-Santiago y en el Espacio Neutro de Vigo, y desde 2015 forma parte del equipo docente e investigador de la Unidade de Talento e Altas Capacidades de la Facultad de Psicología de la Universidad de Santiago de Compostela y es Coordinador del Máster de Fotografía Documental y de Autor en la 35.ESAV de Vigo.
Enlaces:
35.ESAV http://35esav.com
The Fraga Family: https://thefragafamily.wordpress.com
Ricardo Martín, el documentalista de la época dorada de San Sebastián
Ricardo Martín, el documentalista de la época dorada de San Sebastián
Reflexiones en QuitarFotos por Alberte A. Pereira
El pasado mes de mayo visité Donostia con motivo del Taller de Fotografía que, junto a Marcelo Caballero, impartimos en esa ciudad. De las conversaciones con alguna de las alumnas surgió el nombre de Ricardo Martín, quien me comentó era un fotógrafo que había documentado la vida de la ciudad a principios del siglo pasado.
Después me acerqué a una librería en la que me hice con un ejemplar de la colección de Photobolsillo de La Fábrica sobre el autor. Es un pequeño pero representativo libro del trabajo de dicho fotógrafo.
Ricardo Martín (Villanueva de la Serena, Extremadura, 1882, San Sebastián, 1936) empezó como fotógrafo aficionado en 1910, fotografiando al equipo de fútbol de la Real Sociedad. Cinco años después inaugura su tienda Photo-Carte en la calle Fuenterrabía de la capital guipuzcoana.
A partir de ese momento trabajará como corresponsal para diferentes medios, como El Pueblo Vasco, La Voz de Guipúzcoa, Correo del Norte y La Constancia. Poco después empieza a colaborar con el periódico El Día de Madrid. En 1918 realiza su primera exposición fotográfica, en San Sebastián. Tres años después viaja a África para documentar la Guerra del Rif, en la que muestra una visión antibelicista del conflicto. Las fotografías de África son publicadas en diversos medios de comunicación, como ABC, Mundo Gráfico, La Acción y Mundo Nuevo.
Como fotógrafo de la ciudad, recoge todos los acontecimientos del esplendoroso primer tercio del siglo pasado de San Sebastián, convirtiéndose de alguna manera, en la memoria de la ciudad. Desde las carreras de coches en el entonces prestigioso circuito de Lasarte hasta la visita de artistas o políticos como Buster Keaton, Josephine Baker, Joaquín Sorolla, Pío Baroja, Niceto Alcalá-Zamora, Charles Chaplin o Jacinto Benavente.
Así mismo, fue testigo de los incipientes movimientos feministas y la lucha por los derechos de la mujer que, en las primeras décadas del siglo XX comenzaban a tomar forma. Así, Ricardo Martín tomó buena nota de la primera mujer en participar en una carrera de coches en el citado circuito donostiarra, en campeonatos de golf, tiro al plato o en regatas de vela.
Su obra fue motivo de una exposición en La Sala Kubo del Kursaal en San Sebastián que se inauguró en noviembre de 2016 y permaneció abierta hasta finales de enero de 2017 y que, bajo el título “Ricardo Martín. Fotógrafo y espectador”, reivindicó su figura como autor.
Enlaces
Exposición en La Sala Kubo – http://www.sala-kubo-aretoa.eus
Ejemplar de la colección Ricardo Martín : http://tienda.lafabrica.com/es/-photobolsillo
La historia se repite
La historia se repite
Reflexiones en QuitarFotos por Alberte A. Pereira
Me animé a escribir esta entrada después de ver la exposición “Exilio” de Magnum en Viana do Castelo, Portugal, organizada por ESTAÇÃO IMAGEM con motivo de la 8ª Edición de los premios homónimos que cada año se celebra en esta ciudad lusa.
La exposición que se ha podido visitar durante el mes de abril hasta el pasado 4 de mayo, mostraba trabajos de más de veinte fotógrafos de la prestigiosa agencia Magnum, como Stuart Franklin, Alex Majoli, Susan Meiselas, Bruce Gilden, Bruno Barbey, Robert Capa, Nikos Economopoulos, Eli Reed o la española Cristina García Rodero entre otros.
En “Exilio”, título de la exposición, los trabajos no siguen una orden histórica cronológica ni geográfica particular. La intención de la misma era mostrar la impresionante cantidad de conflictos internacionales que ocurrieron en todo el mundo después de la Segunda Guerra Mundial y, sobre todo, las devastadoras consecuencias de los mismos. Movimientos de personas masivos, exilio, refugiados… futuros inciertos.
Estas imágenes nos recuerdan lo ocurrido en conflictos del pasado. Y allí había un fotógrafo para documentarla y dejar constancia. Las nuevas generaciones pueden ver lo que sucedió en Vietnam, en Kurdistán, en Irak… Desgraciadamente no aprendemos. Solo tenemos que ver el World Press Photo o acercarnos a Perpignan, en el Visa pour L’Image y veremos cientos de fotografías y reportajes actuales muy similares a estas. La historia se repite.
Además de lo mencionado, también se pone de manifiesto el valor que el paso del tiempo le da a la fotografía documental. Aunque desgraciadamente sirva para bien poco desde el punto de vista del aprendizaje colectivo y se vuelvan a repetir una y otra vez las mismas atrocidades. Al final los intereses de unos pocos mandan y se imponen sobre la razón y el sentido común, a pesar de la denuncia.
Enlaces
ESTAÇÃO IMAGEM: http://www.estacao-imagem.com/pt/
Magnum: https://www.magnumphotos.com
Visa pour L’Image: http://www.visapourlimage.com/es/index.do
World Press Photo: https://www.worldpressphoto.org/
El espacio no urbano
El espacio no urbano
Reflexiones en Quitar Fotos por Alberte A. Pereira
En alguno de los talleres de fotografía de calle que impartí, expliqué que esta disciplina fotográfica va más allá del espacio urbano. Posiblemente la propia “etiqueta” encorsete de por sí, al hacer una traducción literal del inglés. Quizás el hecho de que yo viva en el rural me hace ver las cosas desde otro punto de vista o, en todo caso, no desde el exclusivamente urbanita.
Es posible que una ciudad ofrezca más oportunidades o simplemente, distintas. Y es aquí, en lo distinto, donde me parece que debemos profundizar si vivimos en lugares apartados de las grandes ciudades o si nos gustan los entornos no urbanos o rurales.
No cabe duda de que son espacios totalmente diferentes, tanto a nivel estético como de actividad de la población que los habita, por lo tanto el enfoque a la hora de fotografiarlo, también debe o puede serlo. Desde mi punto de vista, las zonas rurales son más proclives a trabajos de tipo documental desde una visión más personal o de autor y donde la estética pierde peso en favor de la narrativa.
Y es aquí, en lo distinto, donde me parece que debemos profundizar si vivimos en lugares apartados de las grandes ciudades o si nos gustan los entornos no urbanos o rurales.
Quizás lo mejor es ejemplificar con algún autor. Voy a poner dos ejemplo. Uno que conocemos bien, Cristóbal Hara, y otro quizás menos conocido, Gregory Halpern y que yo conocí gracias a Jon Gorospe.
Cristobal Hara es un habitual en todo tipo de manifestaciones culturales y “rapas” del norte o interior del estado español. Siempre en pequeños pueblos o aldeas como, por ejemplo, A Rapa das Bestas de Sabucedo (A Estrada) o Santa Marta de Ribarteme (As Neves) en Galicia. Sus trabajos “Vanitas” y “Ein Spanier Zuviel”, son un buen ejemplo de lo que comento.
En el trabajo de Gregory Halpern, “ZZYXZ”, nos muestra un recorrido, en cierto modo deprimente y surrealista, desde el desierto de Los Ángeles hasta la costa de California. Sobre el, Chris Killip dijo: […] la fotografía tradicional de paisaje americano se ha convertido en un tropo fotográfico casi moribundo […] La veneración santificada, estereotipada, es la norma. En el trabajo de California de Halpern, veo que se aleja de las comodidades del pasado y trata de hacer algo nuevo, replanteando sus condicionantes y antecedentes para liberarse de ese molde.
Con estos dos ejemplos, bien diferentes por cierto, intento dejar más o menos claro a lo que me refiero cuando digo que las zonas rurales o no urbanas, ofrecen infinidad de posibilidades, distintas, pero no peores. ¡Aprovechémoslas!
Enlaces
Enlace Libro “ZZYXZ” de Gregory Halpern.
Enlace vídeo de el trabajo de Gregory Halpern sobre el trabajo: “ZZYXZ”
Web de Gregory Halpern
Enlace libro Cristobal Hara “Ein Spanier Zuviel”
Enlace vídeo Cristóbal Hara «Ein Spanier Zuviel«
Enlace sobre Cristobal Hara
Enlace fiesta Rapa das Bestas de Sabucedo
Cuando el error fotográfico es mejor que el acierto
Cuando el error fotográfico es mejor que el acierto.
Reflexiones en QuitarFotos por Alberte A. Pereira
Cuando hablamos de error fotográfico, por norma general nos referimos al hecho de que, bien por llevar ajustes inapropiados en la cámara o bien por un fallo propio del fotógrafo, el resultado de la fotografía no fuera el deseado inicialmente. Lo cual no quiere decir que el resultado sea “malo”.
José Manuel Navia, en un taller al que asistí, decía que no usaba objetivos con autoenfoque en su cámara digital, el enfocaba siempre en manual. Y argumentaba que lo hacía así, entre otras cosas, porque no quería perderse la oportunidad de que el “error” fuera mejor que el acierto. Y realmente, a veces es así. De alguna manera a todos nos ha pasado que fotos “erróneas” son visualmente potentes.
Pero no siempre tiene porqué ser así. A veces ese “error” es buscado por el fotógrafo -quizás ya no deberíamos hablar de error- pues hay una intención de quitar la foto con un evidente desenfoque, trepidada, subexpuesta o sobrexpuesta. De estos “errores” intencionados habla Andrea Ancira García en un ensayo bajo el título “El error fotográfico como indicio: explorando la relación entre la fotografía y la experiencia de la ciudad en Daily Pilgrims de Virgilio Ferreira”. Ensayo al que ya hice referencia en una entrada anterior, en la que precisamente hablaba del libro “Daily Pilgrims” del fotógrafo portugués.
Y argumentaba que lo hacía así, entre otras cosas, porque no quería perderse la oportunidad de que el “error” fuera mejor que el acierto. Y realmente, a veces es así. De alguna manera a todos nos ha pasado que fotos “erróneas” son visualmente potentes.
Lo cierto es que, tanto si hay intencionalidad como si no, el resultado es visualmente potente en los dos casos y esto es lo verdaderamente importante. Siempre habrá quien le de más valor si el fotógrafo es el que busca ese resultado previamente. “Pero errar también significa arriesgarse a cometer errores. Errar es la forma en la que vagabundea la serendipidad (…) consiste en estar dispuesto a acoger los accidentes como tantos otros pequeños milagros profanos, como verdaderas epifanías fotográficas”. Clement Chèroux, en «Breve historia del error fotográfico».
Fotografía de calle no es simplemente tomar fotos en la calle
“Fotografía de calle no es simplemente tomar fotos en la calle” Juan José Reyes.
Juan José Reyes is the founder and executive director of the Miami Street Photography Festival. He started shooting street photography after taking workshops with Alex Webb and Jay Maisel in 2009. He also developed “street smarts» directly from shooting with Bruce Gilden in the streets of in Miami. As director of MSPF he oversees the judging of the largest and most prestigious street photography contest in the world with thousands of entries every year.
MSPF an international photography festival showcasing the best of contemporary Street Photography viewed through the eyes of emerging photographers in this genre. The goal of the Festival is to establish a global platform for learning through exhibitions, workshops, lectures and other events.
He writes the street photography blog Out for A Walk – https://juanjosereyes.wordpress.com
He is a also a physician, father, entrepreneur and meditation teacher.
¿Cuéntanos cómo surgió tu afición a la fotografía de calle?
En 2009 hice un workshop con Alex Webb y fue lo que despertó mi interés en la fotografía de calle. Empecé a leer y estudiar las imágenes de los clásicos de este género como Henri Cartier Bresson, Lee Friedlander, Robert Frank, etc. En 2010 fundé un club de fotografía de calle en Miami y nos reuníamos una vez al mes a conversar y mirar imágenes y también salíamos a la calle a tomar fotos. Fue de aquí que surgió la idea de hacer el festival.
En el año 2012, cuando organizas la primera edición del MSPF, no había prácticamente ningún otro evento de este estilo a nivel internacional. Hoy hay varios festivales dedicados a la fotografía de calle, tanto en Europa como en USA. ¿Te sientes un poco el pionero en este tipo de festivales?
Una de las razones por la que organice el primer festival fue porque no había ningún evento dedicado a este género. La idea fue crear un evento donde se puedan aprender y al mismo tiempo poder exponer las mejores imágenes de artistas que estaban saliendo regularmente a la calle.
Ya son muchos los fotógrafos de renombre internacional que han pasado por el MSPF, Alex Webb, Maggie Steber, Alan Harvey, Bruce Gilden, Costa Manos, Matt Stuart… Además del concurso y exposición de los trabajos finalistas, hacéis una apuesta firme por los talleres de formación, presentaciones…
Si, para mi es muy importante el componente educativo del festival. Siempre buscamos ofrecer talleres interesantes con fotógrafos de renombre mundial en este género. También estamos planeando expandir más los portfolio reviews para que artistas que están empezando puedan recibir críticas sobre su trabajo.
El MSPF es uno de los festivales de foto de calle más respetados y mejor valorado a nivel internacional. Además de por otras cuestiones como las comentadas en la pregunta anterior, el nivel del jurado también influye. ¿Que aportan los colectivos involucrados en el proceso de evaluación previa? ¿Y quién toma la decisión final sobre los ganadores?
Siempre fue muy importante para mi incluir a colectivos porque son los fotógrafos que están activamente produciendo fantásticas imágenes y creando la dirección de este género. Por ese motivo siempre incluimos a miembros de colectivos en el jurado inicial que determinan los finalistas. Los ganadores de los MSPF Awards son determinados entre los finalistas por los presentadores del festival, generalmente miembros de la famosa agencia Magnum.
Con la perspectiva de las cinco ediciones anteriores, ¿Cómo afrontas la edición de este año? ¿Habrá novedades?
Siempre queremos ofrecer artistas de clase mundial en nuestro evento y eso va a continuar este año. También estamos planeando introducir cosas nuevas este año que todavía no puedo mencionar pero que van a seguir poniendo a MSPF como el evento más prestigioso en este género.
¿Has visto una evolución o cambio en el estilo de fotografía de calle en estos años?
Pienso que en estos últimos años el estilo no ha cambiado mucho aunque las imágenes han estado mejorando. Estamos viendo mucho más trabajo en color también.
Yo siempre digo que fotografía de calle no es simplemente tomar fotos en la calle, es mucho más que eso. La opinión de gente experimentada y con ojo artístico obviamente tiene mucho más valor que el número de Likes (Me Gusta) en Facebook o Instagram.
Actualmente, nos enfrentamos a un bombardeo de imágenes monumental en nuestra vida diaria. ¿Crees que las imágenes están siendo subvaloradas por este fenómeno?
Yo pienso que si. Instagram ha cambiado la fotografía en general y la cantidad enmascara a la calidad. Usar redes sociales como parámetro de la calidad de una foto es el parámetro errado, sobretodo en fotografía de calle. Es muy importante mantener la calidad de este género y por eso creo que ofrecer crítica y feedback de fotógrafos de renombre y experimentados (portfolio reviews) durante el festival es crucial para aprender y aumentar la calidad. Yo siempre digo que fotografía de calle no es simplemente tomar fotos en la calle, es mucho más que eso. La opinión de gente experimentada y con ojo artístico obviamente tiene mucho más valor que el número de Likes (Me Gusta) en Facebook o Instagram.
Instagram ha cambiado la fotografía en general y la cantidad enmascara a la calidad. Usar redes sociales como parámetro de la calidad de una foto es el parámetro errado, sobretodo en fotografía de calle.
Por último, ¿Cómo ves el panorama actual de la fotografía documental?
Lo veo muy bien y es algo que me apasiona también. Hemos estado incluyendo de a poco en MSPF más panelistas sobre este género. Está relacionado con la fotografía de calle en varias formas y es lógico incluir en un evento internacional como el nuestro.
Enlaces de Juan José Reyes
Web Out for a Walk Blog de Juan José Reyes: https://juanjosereyes.wordpress.com/
Web Miami Street Photography Festival: http://www.miamistreetphotographyfestival.org
Entrevistas
Entrevista en www.thisweekinphoto.com – http://thisweekinphoto.com/the-candid-frame-301-juan-jose-reyes/
Entrevista en www.streetshootr.com – Miami Street Photography Festival Founder Juan Jose
Video
Miami Street Photography Festival 2016 Photo Slam
