Jeffrey Smart; Una mirada tan real y tan surrealista
Jeffrey Smart; Una mirada tan real y tan surrealista
Jeffrey Smart. Reflexiones en QuitarFotos por Jordi Simón
En esta nota quiero destacar la obra de Jeffrey Smart, pintor australiano que tuvo como gran inspiración e influencia a Edward Hopper. Magníficamente retratado, en una reciente y extensa nota realizada por Leire Etxazarra; Smart al igual que Hopper, nos muestra en sus pinturas la soledad y la incomunicación del individuo en la sociedad.
Jeffrey Smart (1920-2013) fue un pintor con un estilo realista y conocido por sus paisajes urbanos. Sus pinturas nos muestran una visión moderna de la sociedad utilizando una marcada geometría y la utilización de colores brillantes que transmiten una sensación inquietante.
Cabe recordar que, la obra de Giorgio de Chirico y su periodo inicial fue muy importante para la obra de Smart. También los espacios congelados de las pinturas de René Magritte, fueron también una gran influencia.
Sin duda lo que más me llama la atención es como consigue momentos tan reales y a su vez, surrealistas. O la utilización de las luces y sombras, al igual que la obra de Hopper donde la luz juega un papel muy importante.
Otro punto en común entre la obra de Smart y el pintor realista americano es la arquitectura bien solo como construcción de su obra; pero también, con la utilización de personas para darle escala a la imagen o solo como tema. Sin duda puede ser muy enriquecedor para un fotógrafo dirigir la mirada en la obra de este pintor, ya que nos puede ofrecer variantes útiles de composición.
“Mis pinturas tienen sus orígenes en una mirada pasajera. A veces conduciendo meses y meses…desesperación, nada, nada, entonces de repente veo algo que me atrapa; una combinación de formas , un juego de luces o sombras y tengo la joya de la imagen” comenta Jeffrey Smart.
Cabe destacar que a mediados de la década del 1960, se traslada a vivir a la Toscana Italiana donde pasa más de 50 años. Es en esa época que pasa a tener más reconocimiento internacional, aunque sigue volviendo a Australia para realizar exposiciones periódicas. En 1999, la Galería de Arte de Gales del Sur realizó la retrospectiva más importante hasta el momento.
En el siguiente video pueden ver un pequeño extracto de ”Smart´s Labyrinth” un documental sobre la vida y obra de Jeffrey Smart:
Enlaces
Enlace de Jeffrey Smart en The Collection, Art Gallery NSW
Entrevista a Maria Planas organizadora de la Biennal de Fotografía Xavier Miserachs
Entrevista a Maria Planas organizadora de la Biennal de Fotografía Xavier Miserachs
Entrevista en QuitarFotos a Maria Planas por Jordi Simón.
Desde el año 1999 que se viene realizando la Biennal de fotografía Xavier Miserachs en la pequeña localidad de Palafrugell, un referente de la fotografía documental que tiene la función de promover la fotografía documental a través de exposiciones, charlas, talleres… y que desde QuitarFotos no nos cansaremos de celebrar tales iniciativas.
Es por eso que nos pusimos en contacto con una de sus organizadoras Maria Planas que muy amablemente nos contestó algunas preguntas.
La próxima edición que se celebrará en el 2018 va a suponer la décima edición de la Biennal Xavier Miserachs . Explícanos qué os motivó a empezar un proyecto como este festival.
Un grupo de amigos de Xavier Miserachs, fotógrafos y amantes de la fotografía, organizamos la primera edición como un homenaje a Xavier un año después de su muerte sin imaginar que llegaríamos a la décima edición. Y aquí seguimos.
Desde tu experiencia como organizadora directora del festival a que conclusión llegas después de 20 años. Háblanos un poco de los aspectos positivos y negativos.
Aunque no siempre resulta fácil organizar un festival de estas características prefiero señalar los aspectos positivos que son muchos y gratificantes y nos animan a continuar. Hemos intentado que cada edición sea cualitativamente igual o superior a la anterior y lo hemos conseguido. La afluencia de público ha ido aumentando en cada edición, estamos difundiendo y es grato comprobar que se empieza a conocer a las grandes figuras de la fotografía del país. Hemos recuperado archivos de fotógrafos que gracias a la Biennal han salido del anonimato. Contamos con una importante red de colaboradores entusiastas y nos place poder trabajar con escuelas e institutos para contribuir a educar la mirada de los niños y más jóvenes.
Sin duda la Biennal es un lugar de referencia para la promoción y divulgación de trabajos realizados por fotógrafos conocidos y no tan conocidos dentro de nuestro país. En el momento de elegir los autores y los trabajos cual es el criterio a seguir.
Por lo que a los fotógrafos de la generación de Xavier Miserachs se refiere, presentes en cada edición, tenemos una larga lista para exponer y vamos contactando con ellos o con sus familiares y herederos. Por otra parte seleccionamos trabajos de autores con trayectorias consolidadas, algunos poco conocidos, también descubrimientos en festivales y propuestas que recibimos de los mismos fotógrafos, de colaboradores y de entidades dedicadas a la fotografía, sin olvidar la investigación que llevamos a cabo en archivos públicos y privados para la recuperación de trabajos de ámbito más local.
Cómo ves el futuro para estos fotógrafos que empiezan y quieren abrirse camino en una profesión cada vez más precaria.
Realmente la profesión de fotógrafo está en general mal considerada y valorada pero sorprende la gran cantidad de jóvenes que han apostado por ella y que poco a poco consiguen por diversos medios dar a conocer sus trabajos.
Realmente la profesión de fotógrafo está en general mal considerada y valorada pero sorprende la gran cantidad de jóvenes que han apostado por ella y que poco a poco consiguen por diversos medios dar a conocer sus trabajos.
¿Crees que los festivales son claves para dar difusión a trabajos de fotografía documental?¿ Como directora del festival como describirías tu experiencia personal?
Por supuesto. Los festivales continúan siendo una buena fórmula para difundir fotografía pero además valoro la función de punto de encuentro y confluencia entre profesionales, público y fotógrafos para mantener viva la actualidad fotográfica. Organizar la Biennal es una experiencia gratificante y por esta razón continuamos. Como comentaba refiriéndome a la experiencia de casi diez ediciones ha sido un placer exponer a un gran número de autores y conocer y colaborar con tantas personas que como nosotros aman esta disciplina y poder efectuar nuestra aportación al conocimiento y difusión de trabajos realizados desde el rigor y la profesionalidad.
Cada vez más se están utilizando otros medios para realizar proyectos documentales, como trabajos multimedia. Piensas que llegará el día en que el video pueda ser el substituto de la fotografía tal y como la conocemos? ¿ os habéis hecho este planteamiento desde el festival?
Bienvenidas sean las nuevas tecnologías y nuevas formas para la realización de trabajos audiovisuales. No desdeñamos en absoluto mostrar trabajos con otros soportes pero hasta el momento seguimos con la mayoría en formato tradicional. No creo que el video sustituya la fotografía tal y como la conocemos. Quiero pensar que convivirán y que la fotografía “clásica”, como la pintura, continuará ocupando un destacado lugar entre las disciplinas artísticas.
Los festivales continúan siendo una buena fórmula para difundir fotografía pero además valoro la función de punto de encuentro y confluencia entre profesionales, público y fotógrafos para mantener viva la actualidad fotográfica.
Para conmemorar los 20 años, ¿tenéis alguna sorpresa que nos puedas comentar?
Estamos aún acabando la programación y no puedo avanzar nada pero sí es importante el cambio de fechas. Hasta ahora celebramos la biennal de mediados de septiembre a mediados de octubre y en esta ocasión vamos a adelantar el festival a agosto y las exposiciones podrán visitarse hasta mediados de octubre.
Enlaces
Web Biennal : http://www.biennalxmiserachs.org
Sicilia, un choque de luz y sombra
Sicilia, un choque de luz y sombra
Reflexiones en QuitarFotos por Jordi Simón sobre Terra Nostra de Mimi Mollica.
“Quiero abrir los ojos de la gente y mostrarles lo insidioso, omnipresente y fuerte que es la mafia; en la vida cotidiana, en la normalidad, banalidad, de un miércoles por la tarde en Sicilia” Así es como describe el fotógrafo Mimi Mollica en Terra Nostra, su libro donde nos muestra desde un relato personal y documental las consecuencias directas que la mafia a causado en la sociedad Siciliana.
“Definitivamente hay signos de una sociedad traumatizada; y este es uno de los puntos principales que trato de transmitir en mi trabajo”
A Mimi Mollica lo descubrí gracias a que es uno de los 56 fotógrafos incluidos en el libro Street Photography Now;un libro de cabecera para todos los que nos gusta la fotografía de calle. Nacido en la ciudad de Palermo, lleva más de 20 años viviendo en Londres pero con la necesidad de volver periódicamente a su tierra y reflejar a través de sus fotografías, los efectos que la Cosa Nostra tiene en la gente, en la economía y en su paisaje.
Terra Nostra desde mi punto de vista refleja lo que muy bien dice en una entrevista el gran fotógrafo siciliano Ferdinando Scianna: no veía su Sicilia como una luz velada o tintes matizados, veía Sicilia como un choque de luz y sombra, un contraste neto y sin grises.
Estaba esperando el autobús y vi a este tipo. Su rostro era un campo de batalla. La energía oscura estaba allí. No és un mafioso . Los mafiosos tienen un lenguaje corporal totalmente diferente, se mantienen erguidos y son agresivos. Acabo de ver esta cara maltratada y embrujada de Sicilia”
Un magnífico libro concebido en blanco y negro, que le llevó unos siete años de trabajo y que fue realizado con una Hasselblad: la cámara perfecta para trabajar desde la cintura y poder conseguir imágenes más directas.
Terra Nostra fue publicado a finales del 2016 gracias a una campaña de crowdfounding.
Enlaces Mimi Mollica
Web de Mimi Mollica: www.mimimollica.com
Mimi Mollica Libro «Terra Nostra»: https://www.dewilewis.com/products/terra-nostra
“Es mejor liberarse de etiquetas, podrían limitar la creatividad” Nayeli Cruz
“Es mejor liberarse de etiquetas, porque en ocasiones estas encasillan y podrían limitar la creatividad” Nayeli Cruz
Entrevista en QuitarFotos a Nayeli Cruz por Jordi Simón.
En esta ocasión hablamos con Nayeli Cruz, de quien destacamos una frase que según nos dice para crear libremente: “Es mejor liberarse de etiquetas, porque en ocasiones estas encasillan y podrían limitar la creatividad”.
¿Cuándo y cómo viene tu interés por la fotografía de calle?
Mi interés comenzó en el año 2009, cuando tomé mi primer taller de fotografía. Yo desconocía por completo este género fotográfico, mi entonces profesor fue Mark Powell, un gran fotógrafo de calle. Poco a poco me fui adentrando en otros géneros de la fotografía pero considero que esta etapa fue fundamental en mi formación. Posteriormente conocí el trabajo de otros extraordinarios fotógrafos callejeros y me comenzó a apasionar mucho más este tipo de foto, me inspira su trabajo y me inspira la calle.
En una entrevista reciente comentabas que habías estudiado psicología porque te interesaba conocer el comportamiento humano. ¿La fotografía es la forma adecuada para conocerlo mejor?
No es necesariamente la forma más adecuada, se hacen aproximaciones diferentes a las personas dependiendo de si se realizan desde la psicología o desde la fotografía. Ambas tienen sus propias finalidades y sus propios códigos, aunque ambas son igual de interesantes para mí. Lo que sí es cierto es, que al momento de salir con mi cámara y comenzar a fotografiar, llevo conmigo esa formación y a través de la foto he logrado conocer a muchas personas, sus contextos, sus dinámicas, la forma en que interactúan, ser inclusive en momentos participé de esa dinámica. Por decirlo de otra manera, la fotografía me ha permitido convivir de manera directa, sentir, reinterpretar inclusive la realidad que estoy observando.
Te defines como una “fotógrafa documental de calle” ¿Qué implica esa definición?
Pienso que separaría ambos conceptos, aunque en realidad la fotografía callejera tiene muchos componentes documentales en su contenido. Considero también que es mejor liberarse de etiquetas, porque en ocasiones estas encasillan a quien se las coloca y podrían limitar su creatividad o intereses. Pienso que es mejor crear libremente, partiendo de las inquietudes y necesidades que surjan en determinado momento.
Muchos fotógrafos han definido México como un país surrealista por varios motivos. En este contexto, ¿cómo explicas el componente surrealista que poseen tus propias fotografías?
México es un país inspirador y mágico, en ocasiones solo hace falta salir a la calle para apreciarlo: las tradiciones están llenas de misticismo, las creencias, las costumbres en cada población son muy particulares así como la estética que muchos imprimen a sus hogares, negocios o a sí mismos; esto es muy estimulante para un fotógrafo, aunado además a que siempre sentí una gran pasión por el surrealismo; hay tantos artistas que tengo en mente ahora mismo que me han inspirado y han influido de manera importante en mí.
Dentro de la fotografía documental en México hay grandes fotógrafos como Manuel Álvarez Bravo, Héctor García, Juan Rulfo o Grabriela Iturbe ganadora del premio Photoespaña 2010. Nayeli, ¿Cómo ves la nueva camada de fotógrafos documentalistas en tu país? ¿Nos puedes nombrar alguno al cual admires?
¡Qué buena pregunta! México tiene extraordinarios fotógrafos, hay mucho talento emergente y ya consolidado. Patricia Aridjis, Maya Goded, Antonio Turok, Eniac Martínez son algunos ejemplos que me vienen a la mente ahora… pero claro, hay muchos nombres más.
Al momento de salir con mi cámara y comenzar a fotografiar, llevo conmigo esa formación y a través de la foto he logrado conocer a muchas personas, sus contextos, sus dinámicas, la forma en que interactúan, ser inclusive en momentos participé de esa dinámica. Por decirlo de otra manera, la fotografía me ha permitido convivir de manera directa, sentir, reinterpretar inclusive la realidad que estoy observando.
Muchos fotógrafos pasamos épocas en que tenemos pequeñas crisis de inspiración y necesitamos volver a observar a esos fotógrafos favoritos. ¿En quién te inspiras a la hora de hacer fotografías?
Tienes mucha razón, Alex Webb es siempre una gran inspiración para mí, David Alan Harvey, Alec Soth, Sally Mann y Jonas Bendiksen son otros grandes nombres. Nuevamente me sucede lo mismo, hay muchos grandes fotógrafos cuyo trabajo me apasiona y me motiva, pero por el momento puedo mencionar a éstos.
Además de observar el trabajo de grandes fotógrafos, ¿qué intereses más allá de la fotografía utilizas para mejorar tu universo creativo?
Me encanta el cine, la pintura, la música me inspira demasiado, en ocasiones me gusta tomar fotos mientras escucho ciertas canciones ya que genera en mí diferentes emociones; la literatura aporta mucho de igual manera, la recomiendo por completo… un buen libro llena la mente de ideas creativas que se pueden transformar en una gran foto. Hay que alimentar la mente siempre.
Nayeli Cruz
Es Licenciada en Psicología por la UNAM. Su formación fotográfica se ha desarrollado en diversos talleres impartidos en el FARO de Oriente, la Secretaría de Cultura, el Programa de Formación Fotoensayo Pachuca y el Museo Rufino Tamayo de la Ciudad de México.
Ha participado en diversas exposiciones colectivas en espacios como la Fundación Héctor García, la Escuela de Periodismo Carlos Septien García, el Centro Cultural Tlatelolco, el FARO de Oriente y la Galería ArtPrint Photo Gallery.
Se ha desarrollado en el ámbito fotoperiodístico, la fotografía de calle y documental publicando su trabajo en periódicos de distribución nacional, revistas, libros impresos, así como en diversos portales electrónicos nacionales e internacionales. Actualmente trabaja como fotógrafa independiente e impartiendo talleres en múltiples espacios educativos.
Enlaces Nayeli Cruz
Web de Nayeli Cruz: www.nayelicruzbonilla.com
Flickr de Nayeli Cruz: www.flickr.com/acidalnaype
Instagram de Nayeli Cruz:: @nayelee.cruz
"Los mejores proyectos son aquellos en los que el fotógrafo pasa tiempo investigando, realizando y editando" Jordi Ruiz Cirera
«Los mejores proyectos son aquellos en los que el fotógrafo pasa tiempo investigando, realizando y editando» Jordi Ruiz Cirera
Entrevista en QuitarFotos a Jordi Ruiz Cirera por jordi Simón
Te trasladaste a Londres para estudiar Fotografía Documental en el 2011. Actualmente resides en la capital británica. ¿Qué te llevó a tomar estas decisiones?
Bueno la decisión de ir a Londres para estudiar vino en parte porque el curso que quería hacer era aquí y, segundo, y más importante, porque quería hacerlo fuera de Barcelona. La idea de dedicar un año entero a formarme y estar al 100% en la fotografía me era muy atractivo en ese momento y veía Londres como un lugar donde habría más de lo que aprender.
Después de estudiar empecé a tener trabajo aquí así que decidí quedarme, y hasta ahora aquí sigo.
Durante la última edición de la IX Bienal de fotografía Xavier Miserachs pudimos observar con mucho interés tu trabajo “Menonos”. ¿Nos gustaría que nos explicaras un poco el génesis de este proyecto y que ha significado desde lo personal?
Si, ese fué un trabajo que empecé en 2010 y finalicé mientras estaba estudiando, en 2011. Lo usé de hecho como mi proyecto final de estudios. La idea vino a raíz de un viaje que estaba haciendo por Sudamérica, donde me hablaron de las comunidades Menonitas y de su estilo de vida extremadamente tradicional. Me interesó el hecho de que vivieran aislados en pleno S.XXI y así decidí ir a documentar su día a día.
La vida en las colonias fue a nivel personal muy interesante, pero también bastante difícil. Era el primer trabajo largo que hacía y estuve viviendo con ellos un par de meses en total. Fue complicado porque entre ellos hablan Alemán, solo hablan castellano los hombres al tener tener que negociar con los Bolivianos, así que el tema de la comunicación estuvo complicado. Más allá de eso, poder ver cómo se vive sin nada moderno, ningún tipo de elemento ni influencia externa fue algo bastante revelador.
¿La publicación en el 2014 de tu libro “Menonos” supone un antes y un después en la carrera de un fotógrafo documental como tú?
No tanto un antes y un después en la carrera, sino más bien un punto final al trabajo Menonos, con el que llevaba trabajando varios años. Sin duda, la publicación de un libro es un gran momento, pero a nivel de la carrera marcó más un antes y un después el hecho de hacer el proyecto.
Desde siempre es difícil crear un trabajo documental que pueda ser interesante y tenga una cierta repercusión, ¿cuál crees que puede ser la clave para que un proyecto sea relevante?
¡Ojalá lo supiera! A nivel de temática a mi me interesan aquellos que me muestran realidades no tan conocidas, o ángulos no tratados de temas que sean más o menos actuales. La verdad no creo que haya una fórmula mágica, pero los buenos proyectos siempre requieren de tiempo. En mi opinión los mejores son aquellos en los que el fotógrafo pasa tiempo investigando, realizando y editando las fotos; no es algo a lo que se le pueda dar prisa. O, por ejemplo, los entornos del mismo fotógrafo/a, donde se nos muestra su entorno directo.
En el 2012 recibiste el Taylor Wessing, uno de los premios más importantes en retrato que otorga la National Portrait Gallery de Londres. Te pongo en contexto con todo ello para que nos cuentes la historia que hay detrás de esta fotografía?
Si, lo gané con una imagen del proyecto de los Menonitas precisamente, es el retrato de una joven, Margarita, que tomé en 2011. En mi segundo viaje a las colonias quise realizar, a parte de continuar con el reportaje más clásico del estilo de vida, una serie de retratos de los habitantes que esperaba pudieran también mostrar el estilo de vida de las comunidades. La idea era hacer series de retratos, famílias enteras a poder ser, todos hechos de la misma forma. Así, mostrando lo similares que eran los habitantes, se haría visible su estilo de vida tradicional, lo grandes que son las famílias, lo aislados que viven de la sociedad contemporánea, el tipo de trabajo que hacen, el lugar en el que viven, etc.
Me gustaría pensar que el retrato ganó porque a través de él se puede entender un poco de estas comunidades, ver a través de esta chica como vive la comunidad.
A parte del trabajo de los “Menonitas”, tienes proyectos sobre el conflicto Libio y los campos de refugiados, los jóvenes que viven en Ramalla o sobre la crisis en España. Son proyectos personales que necesitan algún tipo de financiación ¿Cómo consigues financiar tus trabajos?
Bueno, hay de todo, algunos los he financiado a partir de becas o premios, como el de la «crisis en España» o el que estoy haciendo ahora sobre los «agronegocios» en el Cono Sur; y otros son puramente financiación personal, ahorrar de trabajos que hago como fotógrafo – ya sea en medios de comunicación, ONG, o trabajos corporativos-, para poder invertirlo en proyectos personales.
Esa es una parte muy importante de mi trabajo, no solo los proyectos personales son los que más me interesan, sino que son los que a largo plazo me dan otros trabajos.
Internet es una ventana abierta a un público muy diverso y heterogéneo. Y en ese contexto, en general, utilizamos las Redes Sociales para dar a conocer nuestros trabajos. Desde tu punto de vista, ¿Cuál es la más idónea para divulgarlos y por qué?
Bueno yo tengo una relación complicada con las Redes Sociales, llevo un tiempo bastante cansado de ellas, pienso que pierdo mucho el tiempo y lo que saco es bastante limitado, no se si soy la mejor persona para decir cuál es la mejor forma de usarla. Para mi, ahora mismo la mejor es Instagram, al ser pura fotografía tiene su obvia parte interesante como fotógrafo, y me permite de forma muy directa mostrar trabajos que pueden no estar en mi web -trabajos personales, algún encargo interesante- además también puedo mostrar los proyectos en los que estoy trabajando actualmente y el lugar en el que estoy, con lo que puedo conseguir un cierto interés en él o incluso encargos editoriales al estar en el lugar donde alguien puede necesitar un fotógrafo.
¿En qué proyectos estás trabajando actualmente?
Ahora llevo varios años trabajando en un proyecto documentando los impactos en el medio ambiente y la sociedad de los agronegocios en el Cono Sur, que estoy precisamente exponiendo aquí en el Reino Unido. De momento, he estado en Paraguay y Argentina, y en cuanto pueda me gustaría ir a Brasil para terminar con el retrato de toda la región. Ahí me estoy centrando en cómo la agricultura y ganadería intensiva están afectando la población local, los casos de acaparación de tierras, la deforestación, así como también la industrialización de zonas rurales.
Por otro lado, en breve voy a ir a México donde hace un par de meses empecé un trabajo en la frontera con los EEUU centrándome en la vida diária a ambos lados, la inmigración y la economía de la frontera.
Jordi Ruiz Cirera.
Jordi Ruiz Cirera es un fotógrafo independiente nacido en Barcelona. Actualmente basado en Londres, combina trabajos documentales a largo plazo con encargos para un diverso grupo de clientes internacionales como medios de comunicación, ONGs y corporativos.
En los últimos años su trabajo ha sido ampliamente reconocido, incluyendo becas como la Magnum Emregency Fund o el DB Photography Awards, y premios como los AOP Student Photographer of the Year, POYi, Lucie IPA, Magnum 30 under 30 ó el Taylor-Wessing Photographic Portrait Prize en la National Portrait Gallery de Londres.
Sus fotografías se han expuesto internacionalmente y publicado en medios como National Geographic, The New York Times, The Sunday Times Magazine, The Guardian, Die Zeit, Newsweek o El País. En 2014 publicó su primera monografía, Los Menonos, con la editorial Noruega Éditions du LIC.
Se graduó en Diseño en la Escuela Elisava de Barcelona y posteriormente cursó el MA Documentary Photography en el LCC, de donde se graduó en 2011.
Enlaces:
Web de Jordi Ruiz Cirera: www.jordiruizcirera.com
Instagram de Jordi Ruiz Cirera: instagram.com/jordiruizc — @jordiruizc
Dos fotógrafos unidos por una frontera
Dos fotógrafos unidos por una frontera
Reflexiones en QuitarFotos por Jordi Simón.
La frontera entre Estados Unidos y México puede ser punto de unión, de confluencia entre dos fotógrafos con trabajos muy diferentes entre sí como son los de Bernard Plossu y Mark Cohen. Dos fotógrafos unidos por una frontera.
¿Por qué digo esto? El origen se podría remontar a un viaje relámpago que realicé hace unas semanas a París, y mientras callejeaba por allí, la casualidad me llevó a descubrir una pequeña galería donde realizaban una interesante exposición llamada «Américas» de estos dos fotógrafos.
Dos creadores visuales con diferente forma de abordar el entorno con una cámara tuvieron un interés común, cruzar la frontera que divide Estados Unidos y México para de una forma muy personal reflejar el conformismo, la pobreza, y el desencanto que los dos países tenían en la última mitad del siglo pasado.
Después de vivir con su familia varios años en México, el fotógrafo “viajero” Bernard Plossu cruza, a finales de los años ‘60, la frontera para fotografiar el Oeste americano. Plossu realiza un viaje sin buscar nada en concreto, fotografió lugares de tránsito con un paisaje típicamente americano: coches, desiertos, carreteras. Imágenes realizadas en color que nos transmiten una melancolía existencial como si el paisaje se lo engullera y estuviese solo inmerso en aquellos parajes de horizontes infinitos con una sensación de que algo va a pasar.
“¿Mi fotografía? Mi fotografía la definiría como la realidad discreta” señala Bernard Plossu.
Este magnífico trabajo realizado durante 10 años está publicado en un libro; Bernard Plossu. Western colors 2016 (Thames Hudson).
Por otra parte, el fotógrafo estadounidense Mark Cohen sigue el camino opuesto. Mientras que Bernard Plossu sale del territorio estadounidense en la mitad de los años 80, Cohen realiza una serie de viajes a diferentes ciudades de México de 1981 a 2003 en los que fotografía buscando el surrealismo característico de su mirada.
Es de los pocos trabajos realizados por Cohen fuera de su entorno habitual; ya que la casi totalidad de su trabajo está realizado en su ciudad natal, Wilkes- Barres (Pensilvania).
“Tomé estas fotos exactamente de la misma manera que lo hice en Wilkes-Barre, mi ciudad natal. Simplemente vi envuelto en lo que estaba en frente de mí, ahí fuera, en la calle. Estoy realmente fascinado por la novedad extrema de esta ciudad gigante. Hay algo surrealista en el aire por allí. Una simple caja de cartón se ve diferente en la noche, en la Ciudad de México” comenta Mark Cohen.
Son fotografías cercanas y directas donde muchas veces se centra en los detalles o busca las reacciones de la gente a la que fotografía. Imágenes en blanco y negro de las cuales podremos disfrutar con su libro “México” Mark Cohen (ediciones Xavier Barral) 2016.
"Decidirme por la autoedición responde a un reto personal" Luis Corrales
«Decidirme por la autoedición responde a un reto personal» Cuaderno de Nostalgias
Entrevista a Luis Corrales por Jordi Simon
Cada día más los fotógrafos optan por la autoedición de su propio libro. El hecho de que no existan muchas editoriales que publiquen trabajos de fotógrafos emergentes; la idea de financiarse un proyecto a través del micromecenazgo (crowdfunding) y una edición más personalizada y libre son factores clave para decidirse por esta opción. Luis Corrales, fotógrafo nacido en Sevilla y que en la actualidad reside en Viena, Austria, está inmerso en la autoedición de su primer libro. Es por todo ello que nos pusimos en contacto con él para saber un poco más de todo este asunto.
En un proceso tan difícil como es la autoedición de un libro, ¿cuáles son las razones que te llevaron a tomar esta decisión de crear tu propio libro?
Después de unos 10 años viviendo la fotografía de forma muy intensa y con varios miles de fotos en la mochila, este año me ha parecido un buen momento para hacer un alto, echar la vista atrás y tratar de recopilar algunas de ellas en forma de libro. El hecho de decidirme por la autoedición responde a un reto personal de llevar a cabo todo el proceso sin ayuda externa, controlando todos los pasos por los que pasa la edición de un libro. Me gusta de por sí cualquier proceso artesanal (una de las razones por las que sigo utilizando cámaras analógicas y revelando en casa) y la sensación tan reconfortante de realizar algo con tus propias manos.
En la creación de un libro de fotografía intervienen varios procesos: diseño, encuadernación, selección del papel adecuado , publicidad, distribución… Explícanos un poco la gestión de estos procesos.
En mi caso he ido descubriendo cada paso según iba avanzando. Comencé con un curso rápido de encuadernación y luego fui leyendo e informándome todo lo posible sobre el resto del proceso. Una cierta planificación ayuda, pero también se trata de ir probando distintas opciones. Por ejemplo, es muy difícil acertar a la primera con el tipo de papel fotográfico o el color de las tapas. La elección de la impresora (si es que se decide también imprimir de forma casera) tampoco es tarea fácil. Yo tuve que revender la primera que compré porque producía un blanco y negro deficiente, aún siendo una impresora fotográfica de calidad. Acostumbrado a positivar en la cámara oscura, jamás pensé que el blanco y negro digital fuera tan difícil de conseguir. En cuanto a publicidad y distribución, tampoco tengo grandes ambiciones: la confección de cada ejemplar cuesta varias horas de trabajo y en principio pretendo hacer una pequeña tirada de quizás 15 o 20 ejemplares. Más tarde, iremos viendo.
Luis, ¿por qué el libro se va a llamar “ Cuaderno de nostalgias”? Explícanos además qué fotografías veremos dentro.
El título lo tomé de un blog que llevé durante algunos años en el que mezclaba fotografías con pequeños textos poéticos. De aquel proyecto a éste no han sobrevivido ni las fotos, pero el título da idea de la atmósfera que pretendo mantener a lo largo del libro. Son pequeñas nostalgias fotográficas muy distintas entre sí, si bien todas muy personales. Lo que me interesa es más bien la impresión que cause el conjunto, y conseguir un efecto homogéneo a lo largo de las páginas.
¿Cuándo estará en venta y dónde lo podremos comprar?
¡Buena pregunta! Los primeros ejemplares ya están disponibles. El proceso de autoedición es muy exigente y bastante más caro que realizar un fotolibro a través de una imprenta, con lo que el precio de los libros no va a ser precisamente barato. El cariño y la dedicación que hay detrás de ello es algo que en este mundo digitalizado no todo el mundo está dispuesto a apreciar, supongo. Pero veremos. Mi intención es también ofrecer copias de gran calidad en papel baritado de algunas de las fotos del libro. Trataré de coordinarlo todo a través de mi página web.
Gracias por vuestro interés.
Enlaces
Web Luis Corrales
Enlace a «Cuaderno de Nostalgias» © Luis Corrales
Carol, una película con sabor a Leiter
Carol, una película con sabor a Leiter
Hace unos meses se estrenó Carol ,una película que tenía intención de ver, ya que me habían hablado muy bien de su excelente fotografía, y he de decir que no me defraudo.
Carol trata de un romance entre dos mujeres: una chica que aspira a dedicarse a la fotografía y una mujer adinerada que está en proceso de divorcio, todo esto ambientado a mitad del siglo pasado en la ciudad de Nueva York.
Una de las características principales, es que fue rodada con película tradicional super 16mm. Eso implicaba un mayor grano en pantalla que ayudaba a introducirnos en aquella época.
En una entrevista a una revista norteamericana el director Todd Haynes, comenta como compartió con su director de fotografía Edward Lachman, la idea de buscar imágenes que no fuesen impolutas “busco imágenes que estén llenas de imperfecciones, que es como reconocemos el cine clásico”. A la vez comentaba que la utilización de la película de 16 mm le daba un color característico de aquella época “En la película se produce una mezcla de colores y contaminación entre colores y se juega con la temperatura de color que és imposible de lograr cuando se trabaja en digital» señala Haynes.
Las composiciones del pintor Edward Hopper también abundan en el film. Al igual que otros fotógrafos de la época, como Helen Levitt y Vivian Maier, pero en especial el alma visual de Saul Leiter.
Saul Leiter es considerado uno de los grandes pioneros de la fotografía en color a partir de los años 40, en la ciudad de Nueva York. Donde sus fotografías transmiten melancolía, son intimistas y muchas veces abstractas. En la película se ven todas estas características, secuencias con cristales salpicados por gotas o vapor y donde los personajes están enmarcados en ventanas para crear una sensación de aislamiento emocional. Sin duda la película tiene muchas similitudes entre las fotografías de Leiter y los fotogramas de Carol.
Una película que recomiendo plenamente, sobretodo a los que nos gusta disfrutar de la buena fotografía.