“IndiviDUOS” proyecto fotográfico por Antonio Caamaño
“IndiviDUOS” proyecto fotográfico por Antonio Caamaño
Esta semana presentamos en QuitarFotos el proyecto “IndiviDUOS” de Antonio Caamaño, en el que nos cuenta que independientemente de la existencia de una sociedad masificada, cada vez existe más el individuo callejero e individualista. Y esta individualidad no depende de la edad.
Este proyecto basado en Fotografía de calle surge de la observación. Y sobre todo de una fotografía. Es un proyecto accidente que surge de esta imagen.
Esta foto me da que pensar. Un matrimonio desayuna en una mañana fría de principio de año. IMAGINO: Llevan muchos años juntos. Han vivido de todo; alegrías, penas, sufrimientos y felicidad. Ella habla, él no está. ¿No está hora o no está nunca? La dualidad se ha convertido en individualidad.
Y es que con el paso del tiempo vamos percibiendo la soledad de manera diferente, la hiperactividad de la juventud deja su espacio a la necesidad de buscar nuestro espacio más íntimo. La búsqueda de la individualidad, de la calma, el silencio, la soledad, todos esos factores que nos ayudan a fortalecernos como INDIVIDUOS. Encontramos la necesidad de alejarnos de esa sociedad de desgaste, con el fin de reencontrarnos con nuestro propio espacio y reflexionar sobre esa parte individual que descuidamos.
Independientemente de la existencia de una sociedad masificada, cada vez existe más el individuo callejero e individualista. Y esta individualidad no depende de la edad.
Este proyecto comienza en Enero 2016. Durante dos años. 24 meses. 24 imágenes. Las 4 estaciones de sus dos años.
Encontramos la necesidad de alejarnos de esa sociedad de desgaste, con el fin de reencontrarnos con nuestro propio espacio y reflexionar sobre esa parte individual que descuidamos.
Antonio Caamaño
Fotógrafo aficionado, periodista, nacido en Ceuta y emigrado a Sevilla para estudiar en la Universidad de Comunicación. La relación con la fotografía nace en mi tierra natal en plena efervescencia de la pubertad y en la búsqueda del ‘algo que hacer’. Siempre atraído por la imagen, se cruza en mi camino un curso de fotografía, el regalo de mis padres de mi primera cámara: una Pentax z10, un carrete, un laboratorio, ese olor del revelador, paro y fijador… ¡Lo encontré! fue una relación a primera vista. Enamorado de la fotografía de por vida.
Pero como toda relación de amor, aparece el odio, la desgana, el no entendimiento. Lo analógico, lo digital. Pasa el tiempo. Ahora si. Ahora no. Años sin pensar en diafragma, obturador y luz hasta que la vida se ordena, se regula y se normaliza. Y sobre todo, aparece un autor y un libro… Alex Webb: The Suffering of Light.
Y es ahí donde aparece el camino de la fotografía callejera. Es lo que busco. No hay que viajar a la India, a México, a conflictos bélicos… que todo llegará. Y si no que se lo pregunten a Helen Levitt. Descubro que se puede hacer fotografía en tu calle, tu barrio, tu ciudad. Descubro a Saul Leiter, Robert Frank, Garry Winogrand, Martin Parr, Harry Gruyaert, Matt Stuart…
Y descubriendo estoy nuevos autores, nuevos conceptos, nuevas vías…
No hay que viajar a la India, a México, a conflictos bélicos… que todo llegará. Y si no que se lo pregunten a Helen Levitt. Descubro que se puede hacer fotografía en tu calle, tu barrio, tu ciudad.
Enlaces a redes sociales de Antonio Caamaño.
Twitter – @kaamano
Facebook – http://www.facebook.com/kaamano
Flickr – http://www.flickr.com/photos/39164199@N05/
Galería Fotográfica del Proyecto IndiviDUOS por Antonio Caamaño.
Entrelíneas con Marcos Ros
Entrelíneas con Marcos Ros
En esta ocasión hablamos con Marcos Ros en «Entrelíneas» de QuitarFotos, un espacio intermedio que no llega a ser un reportaje, ni una entrevista en profundidad, pero que intenta indagar en el corazón fotográfico del entrevistado.
Defínete como fotógrafo.
Es una pregunta peliaguda. Creo que una persona no puede definirse como fotógrafo, ya que se produce una evolución fotográfica constante. Por ejemplo, en un principio, Alex Webb o Willliam Eggleston comenzaron a hacer fotos en blanco y negro y posteriormente pasaron al color. Bruce Davidson adecúa su trabajo al proyecto que está realizando, pasando del blanco y negro al color si lo considera necesario. El trabajo que realiza en el «Circus» difiere mucho del trabajo que realiza en Subway en Nueva York o en Central Park.
Por ello, considero que una persona no es necesariamente un solo fotógrafo, son muchos fotógrafos a lo largo del tiempo. Depende mucho de su experiencia, de los referentes que encuentra en el camino, de las conversaciones, de las zonas en los que se mueve, de su estado físico y los paseos que mantiene con otros fotógrafos…
A veces me pregunto qué pensaría Vivian Maier de sí misma como fotógrafa o Garry Winogrand. Estos dos fotógrafos estaban más obsesionados con la toma fotográfica, pero se mostraban despreocupados, aparentemente, con todo lo demás. Personalmente, me gusta quitar fotos (si me permitís la licencia) no me preocupo en exceso por la edición, ni por compartir mi trabajo. Soy un fotógrafo reflexivo (o perezoso, según se mire) que espera que el inconsciente emerja y establezca una conversación consigo mismo.
También, me gusta mucho el concepto de «objeto encontrado» de Marcel Duchamp, me fascina cómo Berenice Abbott encontró a Eugène Atget y lo convirtió su objeto encontrado dentro del movimiento surrealista. Este “arte encontrado”, ¿no es acaso lo que hacemos en fotografía de calle?
Una persona no es necesariamente un solo fotógrafo, son muchos fotógrafos a lo largo del tiempo. Depende mucho de su experiencia, de los referentes que encuentra en el camino, de las conversaciones, de las zonas en los que se mueve, de su estado físico y los paseos que mantiene con otros fotógrafos…
Explica cómo y por qué eliges este género fotográfico.
Mi respuesta se puede resumir del fantástico documental «Everybody Street», cuando Joel Meyerowitz trata de definir la fotografía callejera con un «Show me», como exigiendo a la ciudad que le muestre cosas que nadie percibe, que están ahí sin que apenas nos percatemos y que el fotógrafo callejero tenga la obligación o la necesidad, según se mire, de retratar. Personalmente, volvería al concepto de objeto encontrado.
La fotografía de calle es muy elástica. No puedes acabártela ni abarcarla. Puede que algún académico la considere como un subgénero menor de la fotografía documental (algo de lo que podría estar parcialmente de acuerdo), pero creo que teniendo presente la cantidad y la calidad de los trabajos que se realizan actualmente podría considerarse como un género en sí mismo. Hay fotografía de calle que huye del documentalismo, dejando de lado el humanismo, buscando más el formalismo y las geometrías. Ese tipo de fotografía me parece fascinante, de una intuición y convicción muy potentes.
Hay fotografía de calle que huye del documentalismo, dejando de lado el humanismo, buscando más el formalismo y las geometrías. Ese tipo de fotografía me parece fascinante, de una intuición y convicción muy potentes.
¿Quiénes son tus referentes fotográficos y por qué?
Si tuviese que elegir a un sólo fotógrafo, me quedaría sin duda con Harry Gruyaert. Tengo algunos de sus trabajos y me encanta su capacidad de generar atmósferas. Creo que es uno de los autores que más me transmiten y más me enseñan sobre composición a través de su serie de fotografías. Siento como si estableciera una conversación conmigo de una manera que ningún autor más hace y eso puede ser muy enriquecedor.
¿Qué me quieres mostrar, Harry?, me digo mientras ojeo incansablemente sus libros. A veces, encuentro la llave, otras veces no; pero su obra, su tratamiento de la luz y el color, me atrapan y suelo volver sobre su obra una y otra vez. Creo que no hay ningún autor que me impacte tanto.
Con él también tengo una anécdota, ya que cuando lo conocí en persona (en una presentación de un libro) todavía no conocía su obra y me fui de allí sin autógrafo. Obviamente, aún lo lamento.
Una buena fotografía es… En fotografía de calle, desde mi humilde opinión, sólo hay dos tipos de fotografías buenas: las que atacan al corazón (emoción) o a la mente (geometría). Si una fotografía tiene las dos… Puede llegar a convertirse en una obra maestra.
La fotografía que se me escapó… Siempre se escapan, se encuentran en infinitos rincones y sólo hay que ir a buscarlas. La calle, como la vida, es imprevisible.
La mejor cámara para mi es… La cabeza, nuestra experiencia, la maceración del tiempo y nuestro bagaje fotográfico. De ahí salen las buenas fotos.
En mi mochila llevo… una cámara analógica y una digital. La prioridad sobre una u otra, depende mucho de los proyectos que tenga planteados en ese momento.
Tu fotografía o proyecto favorito.
Últimamente ando con muchos proyectos fotográficos y todos me están aportando muchas cosas positivas. Dentro del grupo fotografía callejera, Crisol Street Photography , el año pasado estuve dirigiendo el proyecto «Un año de Retiro«. Es un proyecto relativamente modesto, pero, dentro del ámbito de difusión de la fotografía callejera, creo que quedó un trabajo muy digno teniendo presente la cantidad de participantes que tuvo.
Con mi colectivo, Urban Disorder , estamos armando otro proyecto que está tomando forma todavía, pero que ya tiene un hilo conductor. Tengo la confianza de que salga algo bastante potente de ahí.
Y ya de forma personal, estoy llevando a cabo un proyecto más pequeño en fotografía analógica en color. En este caso, acabo de comenzar pero que tengo muchas ganas de comprobar hasta dónde llego, aunque todavía me queda mucho trabajo y muchos meses por delante.
Enlaces de Marcos Ros
Crisol Street Photography, grupo de Fotografía de Calle: www.crisolstreet.com
Colectivo Urban Disorder: https://urbandisorderblog.wordpress.com
“SHOT” proyecto fotográfico por Gonzalo Gómez y Gustavo Rosas
“SHOT” proyecto fotográfico por Gonzalo Gómez y Gustavo Rosas
Esta semana presentamos en QuitarFotos el proyecto “SHOT” de Gonzalo Gómez y Gustavo Rosas, «imágenes cotidianas de lo que sucede en las calles de Montevideo ,Uruguay.»
Shot es un proyecto sobre fotografía callejera creado en el año 2013 por Gonzalo Gómez y Gustavo Rosas. Somos fotógrafos curiosos de lo que sucede en las calles de Montevideo (Uruguay), caminamos tranquilamente observando gestos, formas, conexiones, algo imprevisible en lugares comunes. Nos acercamos sin utilizar el zoom, para estar en sintonía con la vida. Creemos que la fotografía callejera es una forma de expresión estética al mismo tiempo que constituye el documento de una época. Nos interesa la excepcionalidad del relato por sobre la mera cotidianidad. Consideramos que la calle es una fuente inagotable de situaciones fugaces, espontáneas y emotivas. La forma, la luz y el contenido deben apoyarse mutuamente.
El proyecto también pretende acercar una apreciación de la fotografía callejera a una amplia audiencia a través de los foros públicos, publicaciones y exposiciones.
Gonzalo Gómez Gaggero
Nací en Montevideo, Uruguay, el 17 de octubre de 1979. Cuando era chico pasaba largos ratos dibujando con una caja de lápices de colores y papeles en blanco.
Luego al culminar el bachillerato comencé a estudiar arquitectura en la universidad, y con tercer año aprobado me di cuenta que el diseño gráfico se adaptaba más a mi espíritu inquieto y observador. Entonces realicé la carrera técnica de diseño en la Escuela de Comunicación Social de la UTU, de la cual regresé en el 2007.
Obtuve premios y menciones en concursos de logotipos y afiches, muchos de ellos relacionados con temáticas sociales, y en paralelo comencé a realizar trabajos de comunicación visual. El diseño gráfico está directamente vinculado con la edición y postproducción de fotos, y fue justamente a través de trabajos que exigen esta técnica que me comenzó a interesar la fotografía.
A finales del 2010 me compré mi primer cámara reflex y desde ahí, no paré de sacar fotos y perfeccionarme en este arte. Encuentro en la fotografía una forma de expresión y comunicación de gestos, situaciones, emociones, algo atemporal que es común a todos. Me siento atraído particularmente por la fotografía callejera, dentro de la cual creo que siempre hay momentos singulares y espontáneos que se pueden fotografiar.
Actualmente me desempeño como diseñador gráfico y fotógrafo freelance. También me apasiona el cine, la música, la naturaleza y los animales.
Gustavo Rosas López
Nací en Montevideo, Uruguay, el 15 de mayo de 1985. Mi primer acercamiento a la fotografía quizás haya sido a través del cine, desde chico me gustaba mirar películas una y otra vez que mi tío atesoraba, y desde ese entonces sentí curiosidad por la imágenes, su construcción y su poder de comunicar emociones.
En el año 2006 el interés por las imágenes me acercó al diseño gráfico, comenzando a estudiar la tecnicatura en diseño en la Escuela de Comunicación Social (UTU). Luego en 2008 estudié diseño web y al mismo tiempo realicé el curso introductorio de fotografía en la Escuela Uruguaya de Fotografía y Video (EUF), fue a partir de ese momento en que comencé a entablar con la fotografía una relación más directa y profunda como herramienta de comunicación y expresión personal.
A lo largo de estos años he desarrollado un especial interés por la fotografía callejera y la posibilidad de retratar y documentar la vida en las calles de forma espontánea.
En el año 2017 finalicé la licenciatura en Artes Plásticas y Visuales en la Escuela Nacional de Bellas Artes (IENBA) y actualmente me encuentro trabajando como fotógrafo y diseñador gráfico freelance.
Enlaces Gonzalo Gómez Gaggero y Gustavo Rosas López
Enlace web a SHOT, proyecto fotográfico de Gonzalo Gómez y Gustavo Rosas: https://www.shotproyecto.com
Galería Fotográfica del Proyecto SHOT por Gonzalo Gómez y Gustavo Rosas
Entrelíneas con Teresa Fargas
Entrelíneas con Teresa Fargas
En esta ocasión hablamos con Teresa Fargas en «Entrelíneas» de QuitarFotos, un espacio intermedio que no llega a ser un reportaje, ni una entrevista en profundidad, pero que intenta indagar en el corazón fotográfico del entrevistado.
Defínete como fotógrafa.
Es difícil definirse a una misma como fotógrafa. En este momento tengo claro que me interesa la fotografía de calle por encima de otro género. Pero no cierro la puerta a cualquier imagen que se pueda presentar en otro ámbito. Me fascina capturar lo espontáneo, las escenas cotidianas que suceden en los espacios públicos, componer imágenes con sus contrastes de luz y color e intentar transmitir emoción con cada pequeña historia fotográfica y, que a ser posible, interroguen al espectador.
Explica cómo y por qué eliges este género fotográfico.
En el año 2009 inicié el proyecto “Sobrevivir en la ciudad contemporánea” con la intención de mostrar a la mujer y al hombre del siglo XXI en el espacio que más los representa, el espacio urbano, y asimismo hacer una reflexión sobre cómo es el ser humano actual, donde el sujeto sobrevive a pesar de la presión de la ciudad contemporánea.
A partir de aquí me fuí adentrando en la fotografía de calle hasta el momento actual en que me identifico plenamente en ella.
Me fascina capturar lo espontáneo, las escenas cotidianas que suceden en los espacios públicos, componer imágenes con sus contrastes de luz y color e intentar transmitir emoción con cada pequeña historia fotográfica y, que a ser posible, interroguen al espectador.
¿Quiénes son tus referentes fotográficos y por qué?
Por citar algunos diría Saul Leiter, Ernst Haas, Robert Frank, Walker Evans, Lee Friedlander, Garry Winogrand, Harry Gruyaert, Alex Webb… Unos por la fuerza del color; otros por la poesía de sus imágenes; otros por la ruptura con los formalismos tradicionales de la fotografía correcta; otros por su agilidad en componer las imágenes…
Una buena fotografía es… como dice Constantine Manos “mis imágenes favoritas son las que hacen preguntas y plantean problemas, pero dejan las respuestas y soluciones al espectador.”
La fotografía que se me escapó… no me genera frustración alguna. La mayor parte de las veces la perdí por ser demasiado lenta o porque me pareció demasiado osado acercarme suficientemente a la escena.
La mejor cámara para mi es… la que llevas encima.
En mi mochila llevo… una discreta cámara Olympus E-M1, de color negro, un par de baterías, una tarjeta de memoria, agua y poca cosa más; lo suficiente para cargar el mínimo peso posible en el andar callejero.
Tu fotografía o proyecto favorito.
Me cuesta elegir una fotografía favorita pero os dejo esta que es de las últimas que he hecho. Me atrae esta imagen porque el ligero movimiento de la cámara parece acompañar el baile de las dos chicas situadas en el centro.
“Sobrevivir en la ciudad contemporánea” con la intención de mostrar a la mujer y al hombre del siglo XXI en el espacio que más los representa, el espacio urbano, y asimismo hacer una reflexión sobre cómo es el ser humano actual, donde el sujeto sobrevive a pesar de la presión de la ciudad contemporánea.
Enlaces de Teresa Fargas
Web de Teresa Fargas: http://www.teresafargas.com
Facebook de Teresa Fargas: https://www.facebook.com/teresa.fargas
Instagram de Teresa Fargas: https://www.instagram.com/teresafargas
“EN OTRA PARTE” proyecto fotográfico por Diego Jambrina
“EN OTRA PARTE” proyecto fotográfico por Diego Jambrina Merino
Esta semana presentamos en QuitarFotos el proyecto “EN OTRA PARTE” de Diego Jambrina, «imágenes para personas que no acaban de comprender el mundo que les rodea, ni su propio mundo interior.»
Cada viaje supone una oportunidad perdida y la confirmación de que, esté donde esté, nunca estoy en mi totalidad.
El deseo no puede. La realidad todo lo aplasta.
Demasiado peso para que mi pecho se levante con cada inspiración.
Este proyecto trata de reflejar una realidad, una realidad nada clara, ni para mí ni para las personas que, como yo, no acaban de comprender el mundo que les rodea, ni su propio mundo interior.
La soledad, la duda, lo etéreo, el recuerdo, la fantasía, las emociones que perturban por ser y por no ser son protagonistas en unas fotografías tomadas en lugares distantes entre sí. Porque no importa cuánto de lejos esté o si estoy en el lugar que habito, yo siempre estoy en otra parte.
Diego Jambrina Merino
Nacido en Bilbao en 1974, a escasos metros del mercado de la Ribera. Casi se puede oír a las pescateras gritar el precio del txitxarro. En 1989 mi hermana mayor se compra una réflex. Se la cojo de vez en cuando y hago mejores fotos que ella, lo que no le sienta muy bien. En 1999 me licencio en Publicidad y RR.PP. y empiezo a trabajar como creativo publicitario. Con el dinero ganado me compro mi propia réflex y en 2009, el primer concurso al que me presento, lo gano. No he vuelto a ganar nada.
En 2013 acudo a una larga charla de fotografía impartida por José Manuel Navia, y quiero ser él. Un año después, entro en el CFC BILBAO, un centro de fotografía contemporánea que me enseña, me educa, me divierte y hace que crezca en mí una obsesión por la fotografía. Allí conozco y aprendo de fotógrafos y grandes maestros como Vari Camarés, Ricky Dávila, Juan Valbuena, Lurdes Basolí, Juan Manuel Castro Pietro y Cristóbal Hara, pero es José Manuel Navia, en otro taller con él, quien me anima a seguir con mi proyecto: EN OTRA PARTE.
Enlaces Diego Jambrina Merino
Blog de Diego Jambrina: www.a50mmdelmundo.com
Flickr de Diego Jambrina: www.flickr.com/people/diegojambrina
Facebook a50mmdelmundo : www.facebook.com/a50mmdelmundo
Instagram a50mmdelmundo: www.instagram.com/a50mmdelmundo
Galería Fotográfica del Proyecto “EN OTRA PARTE” de Diego Jambrina.
Entrelíneas con Luis Toba
Entrelíneas con Luis Toba
En esta ocasión hablamos con Luis Toba en «Entrelíneas» de QuitarFotos, un espacio intermedio que no llega a ser un reportaje, ni una entrevista en profundidad, pero que intenta indagar en el corazón fotográfico del entrevistado.
Defínete como fotógrafo.
Más que un fotógrafo me considero un apasionado de la fotografía. Empecé tarde, hará un par de años y aun estoy en proceso de desarrollo, por lo que me resulta complicado definirme. Podría decirse que estoy en una etapa de constante experimentación.
Explica cómo y por qué eliges este género fotográfico.
La calle me atrapó desde el principio. Me gusta mucho observar el trasiego diario, la espontaneidad de la gente, las miradas, los gestos y esas escenas irrepetibles que pasan fugazmente. De algún modo no solo hace que entienda más el entorno que me rodea, sino que también hace que me comprenda más a mí mismo.
¿Quiénes son tus referentes fotográficos y por qué?
Son demasiados como para enumerarlos, no solo en fotografía de calle y documental sino también en otros campos. Al principio me llamaron mucho la atención Cartier-Bresson, Robert Frank, Garry Winogrand y Martin Parr no solo por lo que contaban sino también por cómo lo contaban. Además de los clásicos también hay grandes fotógrafos contemporáneos que me dejan con la boca abierta.
Una buena fotografía es… la que te arranca un “Wow!”, la que te atrapa un buen rato, la que te sacude por dentro.
La fotografía que se me escapó… muchísimas, pero intento no pensar en ello para no frustrarme.
La mejor cámara para mi es… la que me resulte más cómoda y manejable.
En mi mochila llevo… los típicos objetos personales y una batería siempre cargada, suelo ir bastante ligero de equipaje
Tu fotografía o proyecto favorito.
Me gustan los proyectos a largo plazo, pensarlos con calma, darles muchas vueltas, pero si tuviera que elegir uno que me haya satisfecho sería el que realicé en la ciudad de Oporto. También estoy realizando uno de carácter más personal en la ciudad de Vigo.
Me gusta mucho observar el trasiego diario, la espontaneidad de la gente, las miradas, los gestos y esas escenas irrepetibles que pasan fugazmente. De algún modo no solo hace que entienda más el entorno que me rodea, sino que también hace que me comprenda más a mí mismo.
Enlaces de Luis Toba
Luis Toba en Lensculture: https://www.lensculture.com/luis-toba
Luis Toba en Instagram: https://www.instagram.com/luisvigo5
“DIARIO DE UN CURRELA CON UN MÓVIL QUE HACE FOTOS” por Gabriel Martínez López
“DIARIO DE UN CURRELA CON UN MÓVIL QUE HACE FOTOS” por Gabriel Martínez López
Esta semana presentamos en QuitarFotos el proyecto “DIARIO DE UN CURRELA CON UN MÓVIL QUE HACE FOTOS” de Gabriel Martínez López,»imágenes de la vida real donde no existe el espectáculo, ni la conversión en “arte” de ninguna clase de miseria».
Se trata de un extracto de un trabajo de largo recorrido realizado con muchas limitaciones que nace de una necesidad vital de expresión a través de la fotografía y que básica e inicialmente consiste en documentar la cotidianidad que me rodea, lo que veo mientras vivo o sobrevivo, “paisanaje”, paisaje, y algo más.
Imágenes de la vida real donde no existe el espectáculo, ni la conversión en “arte” de ninguna clase de miseria. Son fotografías directas, instintivas, sin artificios. Sólo la vida cotidiana de personas a las que pocas veces se presta atención o se las mira con empatía. Un escenario poco atractivo a primera vista (sujetos, objetos, y contextos). Fotografías que no recurren a recursos arquetípicos, que abordan una realidad que la mayoría de las veces puede parecer invisible porque no resulta cómoda o agradable para nuestra idílica sociedad actual.
Un tiempo que pasa, dignidad en las miradas y en las actitudes, respeto por las personas, ironía frente a la dureza, dulzura frente a la crudeza.
Una memoria visual e interna para las cosas y aspectos de la vida corriente que no debemos olvidar.
Una actitud de rebelión ante una posible rendición (la tuya, la de ellos, la mía).
Rendirse jamás.
Gabriel Martínez López
Gabriel Martínez López. Alhama de Almería, 1965. De profesión herrero. Gabriel señala que lo es “desde que nació”, trabajando la forja, la carpintería y la cerrajería hasta la actualidad.
Paralelo a ello, abrazó, desde hace casi 30 años, la fotografía como una gran pasión. De formación autodidacta, ha incursionado en el mundo de la publicidad, el reportaje, documental y de autor. Realizó docencia de fotografía en Escuelas de Adultos e impartió talleres sobre fotografía en diversas agrupaciones fotográficas. También fue ponente y conferenciante en institutos de secundaria, escuelas de arte y en niveles universitarios.
Martinez participado en numerosas exposiciones colectivas y publicado en prensa y en revistas especializadas. En 2016 publica el libro “Diario de un currela con un móvil que hace fotos” con la editorial CIRKADIAN.
Actualmente se encuentra en proceso de edición un documental sobre su trayectoria fotográfica dirigido por José Miguel Camacho López.
Son fotografías directas, instintivas, sin artificios. Sólo la vida cotidiana de personas a las que pocas veces se presta atención o se las mira con empatía. Un escenario poco atractivo a primera vista (sujetos, objetos, y contextos). Fotografías que no recurren a recursos arquetípicos, que abordan una realidad que la mayoría de las veces puede parecer invisible porque no resulta cómoda o agradable para nuestra idílica sociedad actual.
Enlaces Gabriel Martínez López
Facebook personal de Gabriel Martínez López: www.facebook.com/gabriel.martinezlopez.7
Facebook de «Las Fotos de Gabi»: www.facebook.com/Las-fotos-de-Gabi-254867721692080/
Galería Fotográfica del Proyecto “DIARIO DE UN CURRELA CON UN MÓVIL QUE HACE FOTOS” por Gabriel Martínez López.
Entrelíneas con Susana Hinojo
Entrelíneas con Susana Hinojo
En esta ocasión hablamos con Susana Hinojo en «Entrelíneas» de QuitarFotos, un espacio intermedio que no llega a ser un reportaje, ni una entrevista en profundidad, pero que intenta indagar en el corazón fotográfico del entrevistado.
Defínete como fotógrafa.
Me considero una persona comprometida, y a su vez humanista y social, con el deseo de reflejar la honestidad, la belleza, la fealdad, y cada uno de los ángulos de la realidad. Todo lo que sucede en la realidad cotidiana, es susceptible de ser percibido, porque nada es prescindible en ella, todo es necesario de ser fotografiado. Me apasiona participar y aprender de las personas fotografiadas, así como redescubrir cada día emociones en mi interior, generadas por todas y cada una de las historias tan personales como insustituibles, que irán conformando mi vida fotográfica.
Explica cómo y por qué eliges este género fotográfico.
Elijo estos dos géneros fotográficos porque me siento participe de la realidad cotidiana, del mestizaje de la cultura de la calle y de mostrar a aquellas personas que son anónimas.
Documentalismo por dar conocimiento público a causas, hechos, circunstancias que son desconocidas o invisibles dentro de la sociedad, para que tome conciencia de esa realidad y Street photography por deambular donde todo es imprevisible, donde todo tiene cabida, donde todo es posible y donde nada es nimio.
¿Quiénes son tus referentes fotográficos y por qué?
Sergio Larrain, Diane Arbus, Josef Koudelka, Robert Frank, Vivian Maier y Bruce Davidson entre algunos de los que más me han influenciado y enseñado.
Diane Arbus porque busca la nobleza en la fealdad.
Robert Frank, en “The Americans” hace una radiografía de su época con todas las contradicciones y desigualdades de los EEUU.
Sergio Larraín por lo que aprendí con él de sus palabras y de su propia experiencia “Salirse del mundo conocido, entrar en lo que nunca has visto, DEJARSE LLEVAR por el gusto” Sergio Larraín Editorial Thames & Hudson.
Vivian Maier por el gran descubrimiento de una vida cotidiana enmarcada en el mundo de la fotografía, sin la necesidad de publicarla, huyó del ego.
Josef Koudelka su compromiso sobre los exiliados, ese tránsito de aspereza de dureza y crueldad. Es nuestro deber reaccionar, de alguna forma ante esas imágenes. Y de injusticia por parte de aquellos que miran hacia otro lado y no quieren ver.
Bruce Davidson por su mirada punzante de los entornos precarios y vulnerables de New York.
Me considero una persona comprometida, y a su vez humanista y social, con el deseo de reflejar la honestidad, la belleza, la fealdad, y cada uno de los ángulos de la realidad. Todo lo que sucede en la realidad cotidiana, es susceptible de ser percibido, porque nada es prescindible en ella, todo es necesario de ser fotografiado.
Una buena fotografía es… aquella que permanece imborrable en la memoria.
La fotografía que se me escapó… es cuando uno no sabe escuchar lo que ocurre alrededor.
La mejor cámara para mi es… como dijo Sergio Larraín “Lo primero de todo es tener una máquina que a uno le guste, la que más le guste a uno. Porque se trata de estar contento, con el cuerpo, con lo que uno tiene en las manos” Sergio Larraín Editorial Thames & Hudson.
En mi mochila llevo… una cámara, o alguna vez dos. Uno o dos objetivos, uno de ellos fijo de 35mm, tarjetas de memoria, baterías para la cámara y una libreta donde anotar todo cuanto sucede, y necesite.
Tu fotografía o proyecto favorito.
“Walking through India”. Muestro una visión sobre la India, transversal, múltiple y diversa. Desde la ingente muchedumbre que se agolpa en los andenes de las estaciones de trenes, en el caótico “orden”, a situaciones de recogimiento, como los baños, donde el aislamiento, genera un apartado de privacidad y de limpieza, tanto física como espiritual. También cruzo la mirada en el trabajo. Como esos andamios artesanales, que parecen más una pequeña ratonera para los obreros inmersos en esa pequeña obra, que una estructura que vele por su seguridad. Vemos también imágenes de composición alegórica, donde podemos vislumbrar el carácter ancestral de una cultura, que fomenta la desigualdad de género. Donde alumbrar a una niña, es una maldición. Reparamos en esa niña que se cruza con una rueda de bicicleta, que gira, y donde parece sostenerse en esa composición, de persona y objeto, que ese rodar, es como la rueda de la fortuna, donde ella, inconsciente, no percibe si tendrá un futuro, dentro de un país, donde muchas de ellas, ni tan siquiera son registradas oficialmente. Vemos también la pobreza, pero sin regocijarse en ella, sin sordidez.
La que mejor revela esa idea es una fotografía que nos retrotrae a otra fotografía de Steve McCurry realizada en 1993, de una madre y un niño tras la ventanilla de un coche. Parecen, a pesar de la diferencia de veinte años, dos fotografías siamesas. Como dice Anthony Bannon comentando la fotografía de McCurry “la mano extendida pidiendo limosna es un símbolo de necesidad universal”. Después de veinte años, vemos que aún perdura esa brecha, entre la abundancia y la escasez. Dos “castas” económicas, pertenecientes a dos caras de una misma moneda, sumadas ambas, y consecuencia a la vez, de una sociedad de castas culturales.
Enlaces de Susana Hinojo
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Paddy Summerfield, una mirada al documentalismo más íntimo
Paddy Summerfield, una mirada al documentalismo más íntimo
Reflexiones en QuitarFotos por Leire Etxazarra
“Con mi trabajo ‘Mother & Father’ quería crear un recuerdo para que todo no se olvide, y para decirles a mis padres que los quiero”. Con estas palabras termina el breve documental de cinco minutos en el que el fotógrafo inglés Paddy Summerfield muestra y explica el ensayo fotográfico que realizó, con sus padres como protagonistas, entre los años 1997 y 2007. Ella, enferma de Alzheimer; él, dedicado en cuerpo y alma a su cuidado.
“Documenté cómo mi madre perdía su mundo, cómo mi padre perdía a su mujer, y cómo yo, finalmente los perdía a los dos”.
’Mother & Father’ es un trabajo documental de corte personal e introspectivo, realizado en blanco y negro y limitado a dos espacios: el jardín de la casa familiar en Oxford, y la de verano en el norte de Gales.
Summersfield retrata con crudeza y elegancia la desesperación de su padre, y la soledad interior de su madre. Los fotografía siempre de espaldas, sin mostrar sus caras, para que, según explica, cualquiera pueda identificarse con ellos.
Una vez fallecidos ambos, su madre siete años antes que su padre, Paddy Summerfield continúa fotografiando los mismos espacios. El jardín ya abandonado, arbustos crecidos y descuidados, una flor solitaria bajo la lluvia… las últimas imágenes de su fotoensayo documentan a la perfección ese sentimiento de ausencia y pérdida que queda tras la muerte.
Paddy Summerfield, nacido en 1947, se hizo conocido a finales de los 60 y 70 gracias a “The Oxford Pictures 1968-78”, un ensayo en el que documentó la vida de los estudiantes de Oxford en verano. Su foto más famosa es la de una joven tumbada mientras lee un libro religioso sobre sexo.
Es también su foto favorita. “Eran los felices 60, estábamos en plena revolución sexual, pero mucha gente se sentía fuera de esa onda, como si esa revolución estuviera pasando en otra parte (…) Sentíamos más las barreras que las libertades”.
“Els Motoristes de l’Albufera” por Albert Martínez
“ELS MOTORISTES DE L’ALBUFERA» por Albert Martínez
Esta semana presentamos en QuitarFotos el proyecto “ELS MOTORISTES DE L’ALBUFERA” de Albert Martínez, Valencia. Un proyecto en blanco y negro sobre «Los motoristas de la Albufera», una mirada a ese mundo del que venimos.
Vivimos en un mundo acelerado, donde todo pasa deprisa muy deprisa y encima repleto de ruido, mucho ruido y distracción, que hace que cada vez andemos más perdidos sin ser conscientes de ello, repleto de cambios constantes que hacen que no podamos parar ni reflexionar.
«Los motoristas de la Albufera» es una mirada a ese mundo del que venimos como es el campo y del que ya no sabemos casi nada, donde la palabra sigue teniendo validez y el tiempo parece tener otra velocidad.
He tratando de documentar un oficio desconocido y que cada vez ocupan menos personas, fotografiando los motores, los motoristas y su entorno. Valencia es una de las ciudades en donde el arroz está muy arraigado, pero sin embargo el cultivo del arroz es bastante desconocido para los valencianos, todo esto pese a que los campos de arroz se encuentran a poco más de 15 minutos en coche del centro de la ciudad.
Albert Martínez
Albert Martínez. Valencia, 1983. Tras finalizar mis estudios de Mecánica en el IPFP San Vicente Ferrer, inicio mi vida laboral como mecánico en diferentes talleres de la ciudad de Valencia, para marcas como Ford, Kia y Fiat-Alfa Romeo. Posteriormente, entro a trabajar como inspector supervisor mecánico en Itv de Levante. Años más tarde, un problema de salud me obliga a dejar el trabajo.
A raíz de esto, inicio mis estudios de diseño gráfico en ESAT (Escuela Superior de Arte y Tecnología). Es ahí donde descubro el interés por la fotografía y decido centrarme en ella a través del centro Espai d’Art Fotográfic, dónde hace un año obtuve el título de Def I y recientemente el Def I, lo que implica un total de 800 horas lectivas.
Mi interés por la fotografía se centra en la fotografía documental, el reportaje y la fotografía social, la imagen como archivo/documento para el mañana. Esto, unido a la búsqueda de nuestras raíces y de nuestras tradiciones me lleva a centrar mi proyecto final de estudios en los motoristas de la Albufera. Se trata de un oficio prácticamente desconocido para la mayoría de los valencianos. Retrata de dónde venimos y quienes hemos sido, en un tiempo en el que la sociedad ha perdido muchos valores tales como el esfuerzo, la humildad, el trabajo duro, la constancia, etc.
Enlaces Albert Martínez
Faceboock de Albert Martínez: https://www.facebook.com/albert.martinez.9480
Facebook del proyecto «Els motoristes» https://www.facebook.com/elsmotoristes/
Vimeo del proyecto «Els motoristes»: https://vimeo.com/203075964
Galería Fotográfica del Proyecto “Els Motoristes de l’Albufera” por Albert Martínez.
