Entrelíneas con Jordi Casañas
Entrelíneas con Jordi Casañas
Defínete como fotógrafo.
Definiré si os parece mi trabajo, que viene a ser lo mismo que definirme a mi mismo:
Mis fotografías surgen de una idea preconcebida transformada en accidentalidad. Mis imágenes son conceptualmente premeditadas pero formalmente azarosas. Busco en las imágenes aquello que Barthes definió como “punctum”; un detalle, algo que acontece íntimo, que nos sorprenda a través de una presencia inoportuna, que nos inquiete, pero sobretodo nos permita reflexionar a través de una sugerencia.
Un buena fotografía es… la que te sigue gustando después de verla año tras año colgada en el comedor de tu casa. Yo solo tengo una colgada y está en el comedor, hará casi 6 años, veremos…
La fotografía que se me escapó… ninguna, no me considero cazador ni pescador de imágenes, la pregunta correcta en mi caso sería más bien, la fotografía que me hubiera gustado hacer a mi, y que ha hecho otro.
La mejor cámara para mi es… quedaría muy propio decir la que llevo encima, pero no, ahora mismo es mi D800, tanto si la llevo como si no.
En mi mochila llevo… creo que demasiado peso.
Tu fotografía o proyecto favorito. No tengo “mejor foto”, tengo muchas fotografías por lo que siempre que tengo que escoger una me resulta harto complicado, esto me hace pensar que produzco demasiado. Si tuviera solo un par, me resultaría más sencillo, pero bueno os dejo esta, que os puede resultar como suele llamarse, una foto de cazador. Cuando la vi pensé en si tendría tiempo de componer, si estaba terminando de hacer el lazo del zapato y se levantaría o si estaba empezando el proceso de abrochárselo. Tuve tiempo de componer, y la fortuna (que es donde recae el interés de la imagen evidentemente) que el traje del personaje agachado se diferenciaba del resto, en caso contrario no hubiera habido foto.
Enlaces con Jordi Casañas
Jordi Casañas en Lens Culture: www.lensculture.com/jordi-casanas
Facebook Jordi Casañas: www.facebook.com/jordi.casanasfotografia
Web: www.jordicassanyes.com /próximamente/
Carlos Prieto - AGBAR GRAVITY
AGBAR GRAVITY por Carlos Prieto
Las grandes ciudades tienen la “necesidad de reinventarse” para mantener su atractivo. Una manera es mediante la incorporación de nuevos símbolos con los que asociar su imagen de un solo vistazo. Al final se trata de añadir cualidades a una ciudad para hacerla más atractiva como producto de consumo, ya sea para atraer a los grandes eventos, a grupos inversores o a los turistas.
La construcción de edificios arquitectónicos emblemáticos es una de las más habituales y si, además, está diseñado por uno de los arquitectos de moda como es Jean Nouvel, la fórmula se mueve dentro de los parámetros.
La incorporación de este tipo de edificios generan nuevas vertebraciones en la ciudad creando nuevos pesos gravitatorios e influyendo también en el flujo de sus gentes.
Este trabajo se centra en la Torre Agbar, un rascacielos de 145 mts. inaugurado en el año 2005, construido con la intención de ser el penúltimo icono de la ciudad de Barcelona. Agbar Gravity vertebra el proyecto en forma de eco visual para subrayar el “peso” con el que dota a los nuevos símbolos.
La incorporación de este tipo de edificios generan nuevas vertebraciones en la ciudad creando nuevos pesos gravitatorios e influyendo también en el flujo de sus gentes. Agbar Gravity no pretende dar respuestas; sino lo que plantea es que reflexionemos sobre esa “necesidad de reinventarse” y en como influencia al resto de la urbe.
Carlos Prieto
Carlos Prieto (Lleida, 1976) ingeniero técnico de profesión adquiere la práctica fotográfica como una pasión iniciada de forma más consciente a partir del año 2009. En el año 2010 movido por su pulsión por la fotografía de calle fundó junto con otros 4 fotógrafos el colectivo Calle 35. Utiliza la fotografía para entender su entorno, la ciudad. Es por ello que se ha centrado en el desarrollo de diversos trabajos de carácter urbanita.
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Entrelíneas con Carlos Prieto
Entrelíneas con Carlos Prieto
Defínete como fotógrafo y cómo y por qué eliges este género fotográfico.
Hace unos años escuché decir a un fotógrafo de reconocido prestigio que era muy importante tener muy claro el tipo de fotógrafo que uno quería ser para saber a dónde le puede llevar su fotografía y sobre todo a donde no le puede llevar.
Yo se que no soy un fotógrafo de mi tiempo pero lo cierto es que no es algo que me preocupe, después de mucho reflexionar creo que es importante que un fotógrafo tenga que hacer lo que le sale de dentro y ser fiel y coherente a sus inquietudes, porque si no se está traicionando y eso nunca es recomendable más que nada por ser sincero con uno mismo y con los que le rodean.
Creo seriamente que cada imagen debe funcionar individualmente pero también en su conjunto, como una nota musical dentro de una melodía siendo la melodía el trabajo
Para mi es difícil definirme como fotógrafo pues aún tengo algunas dudas que no se si algún día resolveré pero lo que sí tengo claro es que tengo dos vertientes muy marcadas. Una más urbanita y otra más emocional. En algunos trabajos como en el de Estambul trato de unirlos pero en otros me es imposible. En Barcelona que es mi ciudad tengo 3 trabajos bastante desarrollados todos enmarcados en zonas turistificadas como son la Torre Agbar, la Sagrada Familia y las Rambles de Barcelona. Cada trabajo tiene su propia personalidad pero con un barniz documental común, aunque siempre respetando el valor de la fotografía por sí misma. Creo seriamente que cada imagen debe funcionar individualmente pero también en su conjunto, como una nota musical dentro de una melodía siendo la melodía el trabajo.
Si miráis la galería en la web www.carlosprieto.org o en Street of Istanbul, las fotografías que aparecen allí podrían ser un buen ejemplo de lo que para mi son fotografías más emocionales. Me gusta jugar con los colores saturados, las dominantes frías, los reflejos para sugerir y evocar más que mostrar un mundo que a veces siento como algo ajeno –transicional si cabe– y revisarlo a través de imágenes más oníricas o irreales, es mi manera de expresarlo. Tengo la necesidad vital de jugar con todos esos elementos para montar un puzzle cuyos límites aún tengo que terminar de definir.
Lo cierto es que ahora mismo no me quiero limitar con ninguna etiqueta.
Un buena fotografía es la que… me producen una fascinación tal que me provoca un eco visual que con el paso del tiempo se vuelve reiterativo.
La fotografía que se me escapó… Ninguna. No recuerdo ahora mismo ninguna aunque seguro que la hay, afortunadamente para estas cosas mi mala memoria juega a favor. De todos modos creo que es importante relajarse en esto de la fotografía. Hoy todos corremos, necesitamos llegar rápido y yo me pregunto a veces… caray ¿A dónde? ¿Tanta prisa de verdad es necesaria? Intento disfrutar de este placer cada vez con más pausa, como el que paladea un buen vino…. aunque a nadie más le guste.
La mejor cámara para mi es… aquella que no me limite. Reconozco que necesito efectividad y para eso me gusta una cámara que sea lo más transparente posible entre lo que veo y la fotografía que quiero conseguir. Las OMD de Olympus son cámaras que para mi cumplen bien esa función.
En mi mochila llevo… No tengo mochila, aunque si una pequeña bandolera donde a veces suelo llevar la cámara con un objetivo equivalente a un 35mm o a 50mm, son mis focales favoritas. A veces también utilizo un 28mm pero tengo que reconocer que cada vez lo hago de forma más residual.
Tu fotografía o proyecto favorito. Antes he hablado del trabajo de Estambul (en www.carlosprieto.org o en Tumblr de Street of Istanbul) que estoy realizando desde hace algunos años. Quizás es el trabajo con el que me siento más cómodo ahora mismo pues como ya he dicho antes conjuga perfectamente mis dos maneras de trabajar la fotografía.
Contacta con Carlos Prieto
Web de Carlos Prieto: www.carlosprieto.org
Flickr de Carlos Prieto: www.flickr.com/cmprieto
Pablo Arranz - The holiday Machine
The Holiday Machine por Pablo Arranz
Tiene entre sus más profundas raíces el gen de la contradicción. Pueblo y gran ciudad a la vez, es el lugar con mayor índice de rascacielos por habitante del mundo. Con apenas 70.000 censados, llega a alojar durante temporada alta cerca de 1 millón de personas. Anticuado y revolucionario, denso y vacío, capaz de atraer tanto a visitantes de la España más profunda como al turismo más internacional.
Odiado y amado casi a partes iguales, representa para unos la máxima exponencia del frenesí urbanístico y la pérdida de identidad asociada al turismo low cost.
Odiado y amado casi a partes iguales, representa para unos la máxima exponencia del frenesí urbanístico y la pérdida de identidad asociada al turismo low cost. Para otros, es un ejemplo de eficiencia y modelo económico que permite a familias modestas tener vacaciones y diversión a bajo precio. 60 años después de la aprobación de su histórico plan urbanístico, Benidorm entra en la edad de madurez como una máquina engrasada de fabricar vacaciones, que se enciende y apaga alimentada por el mismo sol que vende. Que se transforma continuamente durante el año para dar cabida a todo tipo de edades y nacionalidades. Que olvidó tiempo atrás su pasado pesquero para convertir la extravagancia en su nueva seña de identidad.
Pablo Arranz Fernández
Nacido en 1981 en Alicante y residente actualmente en Barcelona. Empezó en fotografía de manera autodidacta, completando su formación en la Escuela Superior de Fotografía GrisArt de Barcelona, en la especialización de fotografía documental y fotoreportaje en 2014.
Sus proyectos se centran alrededor del paisaje urbano como base para trabajos de carácter documental, principalmente sobre la costa levantina y los excesos urbanísticos que han marcado el desarrollo económico de los últimos años.
Viajero empedernido, le interesan también proyectos sociales y antropológicos, alternando temáticas sobre tradiciones autóctonas de la cultura mediterránea y reportajes en diversas partes del mundo.
El proyecto “The Holiday Machine” ha sido seleccionado en Descubrimientos PhotoEspaña 2016.
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Entrelíneas con Jontxu Fernández
Entrelíneas con Jontxu Fernández
Defínete como fotógrafo y explica cómo y por qué eliges este género fotográfico.
Fotógrafo documental y de calle.
Es el tipo de fotografía con el que más cómodo me siento. Es estar abierto a lo que sucede a nuestro alrededor y documentarlo, capturar lo que nos interesa en un pequeño rectángulo sin que podamos preparar nada en absoluto, en definitiva adelantarse y prever, estar atento… componer… y fotografiar.
Un buena fotografía es la que… me gustaría haberla hecho yo.
La fotografía que se me escapó… es la que me hace aprender del error por la cual no la hice.
La mejor cámara para mi es… la que en ese momento tenga en la mano, normalmente es la misma y si no el móvil.
En mi mochila llevo… una batería extra y la documentación.
Tu fotografía o proyecto favorito. En cuanto a la fotografía puramente de calle no tengo preparado, ni siquiera a la vista ningún proyecto…en un futuro quizás, pero no lo tengo claro, cuando salgo a la calle fotografío sin tener nada en mente. No considero que tenga un cuerpo de imágenes lo suficientemente potente como para dedicar una serie o algo por el estilo.
En cuanto a fotografía documental he realizado muy poquitas cosas, pero lo he disfrutado mucho. Por ser el último sería el de Baserritarrak, que en Euskal Herria así se les llama a los que viven del o en el Baserri (Caserío). Son en su mayoría unos retratos muy sencillos, realizados mientras grababamos un programa para Eitb.
Los proyectos documentales podéis verlos en el siguiente enlace:
http://www.jontxufernandez.com/gallery-category/documentary/
Contacta con Jontxu Fenández
Web de Jontxu Fernández
Instagram de Jontxu Fernández
Flickr de Jontxu Fernández
‘In no great hurry’, 75 minutos con Saul Leiter
‘In no great hurry’,
75 minutos con Saul Leiter
Reflexiones en QuitarFotos por Leire Etxazarra
“In no great hurry. 13 lessons in life with Samuel Leiter” es un documental de corte intimista que se acerca durante 75 minutos al que fue uno de los grandes pioneros de la fotografía en color. Más interesado en “hacer” que en “vender” arte, a Leiter el reconocimiento le llegó de forma tardía, y casi a su pesar. “Tenía la esperanza de ser olvidado, aspiro a no ser importante”, afirma sin tapujos.
El documental se rodó apenas un año antes de su muerte en noviembre de 2013. Nos muestra a este fotógrafo con sensibilidad de pintor en su pequeño apartamento, abarrotado de cajas con fotos, diapositivas y viejos recuerdos. Leiter aparece tal cual es, un hombre mayor y cansado, abrumado por la importancia que otros dan al reconocimiento y la fama, asombrado y divertido por el hecho de que alguien quiera hacer un documental sobre él.
“Si tengo en cuenta todas las cosas bellas que se han hecho, mis logros son bastante pequeños. No me veo arrastrado por la grandeza de Mr. Leiter. Es una figura menor y no merece tener un documental sobre él, pero, por otro lado, ¿qué puedo hacer?”
Aquellos que se acerquen a este documental esperando escuchar una profunda reflexión sobre el hecho fotográfico o la importancia del color se sentirán irremediablemente decepcionados. “In no great hurry” es otra cosa, algo más parecido a una especie de testamento vital, en el que Saul habla de fotografía, pero también de su familia, de la religión, de la fama, más que de sí mismo. Es el testimonio de un hombre para el que la fotografía fue mucho más que una forma de ganarse la vida.
Las 13 lecciones a las que hace referencia el título del documental, no son, ni mucho menos, 13 lecciones sobre fotografía. Parecen responder más al propio deseo arbitrario del autor de vertebrar el documental de una forma ordenada que al propio contenido del discurso de Leiter.
Así, durante los 75 minutos que dura la pieza, vamos conociendo más al hombre que al fotógrafo. Un hombre con una relación que se adivina complicada con su padre, “le dije que no quería ser un judío profesional durante toda mi vida”, dice Leiter con un humor que no logra ocultar cierto punto de amargura hacia su progenitor. En otro momento en el que parece perderse en la nebulosa de los recuerdos, llega a culparse a sí mismo de la muerte de su compañera sentimental durante décadas, la modelo reconvertida en pintora Soames Bantry.
Son pasajes que nos alejan del fotógrafo pero nos acercan al ser humano, a su propia fragilidad. La imagen de Leiter en el documental, un hombre anciano en su viejo apartamento neoyorkino, medio atrapado por cajas y cajas de fotos y negativos, casa perfectamente con el ideal de artista devorado por su propia obra. “Si eres pintor o fotógrafo y haces cosas, cosas que nadie ve, nadie compra y nadie se lleva, y las tienes alrededor y no las destruyes, acabas teniendo demasiadas cosas”, dice, para luego añadir, “no quiero deshacerme de ello, pero quiero tenerlo en algún lugar donde no tenga que verlo”.
Leiter aparece acompañado de su asistente, Margit Erb, la responsable de intentar poner algo de orden en un caos al que el gato del fotógrafo parece haberse acomodado con bastante facilidad. “Saul ha fotografiado el mismo barrio durante 55 años, y su estilo es el mismo en 1950 y en 2011. Es increíble”, dice Margit, que tras la muerte de Leiter, creará y dirigirá la fundación que administra su obra.
En definitiva, “In no great hurry” es la aproximación a la figura de un grandísimo artista en sus últimos meses de vida, una humanización del mito, que vive su vejez con resignación y dosis de humor: “Cuando tienes 80 años, caminas por la calle y al mirar a un escaparate ves que un hombre mayor va caminando contigo. Luego te das cuenta de que ese hombre eres tú (ríe)”.
Leiter acepta casi a regañadientes, pero también divertido, el ser objeto de un documental. Rechaza abiertamente la idea de que sus fotos tengan algo nuevo que enseñarnos. Los ha habido más abstractos y más explosivos en el uso del color, pero pocos han logrado conmover tanto a través de la imagen.
“¿Cuál es mi legado? Yo soy fotógrafo, pintor… Pinto algunos cuadros, hago fotos. Estoy feliz de tener un libro ‘Early Color’ que parece haber llegado a cierta gente, haberles emocionado. Eso estuvo bien. ¿Soy un héroe? ¿Soy una especie de gigante sentado a horcajadas sobre la montaña de la fotografía? No lo sé (ríe)”.
El documental “In no great hurry. 13 lessons in life with Saul Leiter” está disponible en Amazon, únicamente en versión original (inglés, con subtítulos en el mismo idioma), y en la web oficial del documental.
Texto: Leire Etxazarra
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Enlace a la web oficial del documental “In no great hurry. 13 lessons in life with Samuel Leiter”
Texto: Leire Etxazarra
Facebook Leire Etxazarra
Manuel Ibáñez - Sevilla Remembrance
Sevilla Remembrance por Manuel Ibáñez
«Sevilla remembrance», nace desde el momento en que regreso a la ciudad de la que partí tras terminar los estudios en la universidad. Coincide ese momento con el descubrimiento de la fotografía a mediados de 2013. Las imágenes surgen de la necesidad de generar nuevos recuerdos en una ciudad que si bien no es nueva para mí, si que ha cambiado, no sólo en su paisaje urbano, sino en las personas que lo habitan, rostros nuevos, comportamientos sutilmente diferentes en ocasiones y en otras desconocidos veinte años atrás. A finales de aquel año comienzo a expresarme por este nuevo medio para contar cómo entiendo ahora mi ciudad a través del visor de una cámara hasta hoy, por lo que se trata de un relato que tiene un comienzo pero aún no tiene fin, y que ha dado lugar a algunas series con enfoques bien distintos, pues es grande la complejidad que se desprende de las relaciones que establecemos con nuestro entorno más inmediato.
Manuel Ibáñez, natural de Jaén, licenciado en arquitectura por la universidad de Sevilla, ciudad donde reside y desarrolla su actividad fotográfica. Interesado tardíamente en la fotografía, cursa en la actualidad estudios de fotografía artística en la escuela de arte de Sevilla. Su trabajo se caracteriza por retratar, ofreciendo una nueva mirada desde la fotografía de calle, la ciudad a la que regresa tras años de ejercer su actividad profesional lejos de esta.
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Entrelíneas con Silvia Pombo
Entrelíneas con Silvia Pombo
Defínete como fotógrafa y explica cómo y por qué eliges este género fotográfico.
Soy una fotógrafa a la que le gusta hacer fotos en la calle. Con cámara o sin ella prefiero lo cotidiano, lo espontáneo, lo imprevisible, lo insólito y lo caprichoso del azar.
Procuro fotografiar a diario y de manera cómoda y fácil, por lo que cuanto más cerca esté del sitio en el que fotografío, mejor.
Un buena fotografía es la que… se convierte, por la razón que sea, en parte de mi imaginario presente y futuro.
La fotografía que se me escapó… La última que recuerdo es la de unas niñas gemelas en la Plaza de Cataluña con una luz increíble el sábado pasado; pero cada día se me escapa alguna y de eso se trata: de tener siempre fotos que hacer aunque no sepas cuáles son.
La mejor cámara para mi es… la que me permite adaptarme a las circunstancias y fluir con ellas.
En mi mochila llevo… lo imprescindible; en condiciones normales: una batería y una tarjeta de memoria.
Tu fotografía o proyecto favorito. Le tengo un especial cariño a esta foto que hice justo cuando empezaba a hacer fotos porque creo que refleja mi acercamiento al género de manera muy concreta.
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Fuco Reyes - Persistencia
Persistencia por Fuco Reyes
En 2016 se cumplen cuarenta años destierro del pueblo saharaui en el desierto de Argelia. Unas 165.000 personas habitan uno de los lugares más inhóspitos del planeta en una situación de dependencia absoluta de la ayuda internacional para su supervivencia.
Es difícil asimilar como se puede sobrevivir en este lugar tan inhóspito durante cuarenta años y tan alejados de una identidad, de un territorio propio y de una historia. Hay como una fragmentación en el tiempo y en el espacio.
Es difícil asimilar como se puede sobrevivir en este lugar tan inhóspito durante cuarenta años y tan alejados de una identidad, de un territorio propio y de una historia.
Los campamentos están organizados en cinco wilayas. Cada una de ellas lleva el nombre de una cinco principales urbes del territorio nacional del Sahara Occidental: Bojador, El Aaiún, Dajla, Smara y Auserd. La mayoría de las familias han quedado separadas durante estos cuarenta años aunque el lugar en el que sobreviven tenga el mismo nombre que el lugar en el que vivían. El tiempo ha transcurrido de manera diferente en los campamentos y en las ciudades de los territorios ocupados. Aquí se ha detenido; se respira una sensación de permanente transitoriedad.
Fuco Reyes · Inventando la realidad
Su punto de partida tiene que ver con la idea de que al contemplar el mundo no sólo influimos en lo que vemos sino que lo observado también repercute en el observador . Así, construimos nuestra realidad más personal y social, al igual que el significado de las imágenes que creamos, de manera que la fotografía pierde la conexión con su referente y deviene en algo con entidad propia por sí misma.
Le fascina esta capacidad que tiene la fotografía para crear nuevas realidades que acaban siendo más verosímiles que la “propia realidad”. Opina que este acto de creación lo es también de responsabilidad, ya que lo construido también forma parte de nosotros mismos, nos define y nos modela personal, social y culturalmente. Le interesa comprender cómo damos un significado a lo que vemos, y cómo en el acto de fotografiar podemos generar nuevas atribuciones de sentido que modelan nuestros modos de mirar en un proceso recursivo sin fin.
A través de una evolución en la que va ajustando la manera en que percibe el mundo, se maneja con el silencio como estrategia, con el tiempo como eterno momento presente, y con los espacios como puertas o ventanas a lugares que quiere visitar de un modo fantasmático, de manera que le puedan llevar hacia adelante hacia una utopía, o traerle de vuelta hacia algún lugar de sí mismo.
El pueblo saharaui se ha vuelto invisible ante el mundo en estos cuarenta años que lleva estancada en Argelia.
Hay un velo que parece cubrirlo todo. Cubre los objetos y las personas. Está muy presente esta sensación de ocultación, de preservación y de invisibilidad. El pueblo saharaui se ha vuelto invisible ante el mundo en estos cuarenta años que lleva estancada en Argelia.
La población que vive repartida en los cinco campamentos que están en territorio argelino está compuesta en su mayoría por mujeres, niños y ancianos. La mayoría de los hombres se encuentran en las zonas liberadas, formando parte del ejército saharaui. Poco que hacer en un lugar donde no hay que hacer.
El silencio forma parte de las cosas. Todo parece callar o susurrar, quizá por el mimetismo con el desierto. Los objetos se reducen a su mínima expresión. Nada es superfluo, casi todo puede ser reutilizado.
No hay victimismo, sólo una enorme perseverancia que deviene de conocer cuáles son las posibilidades reales de cambiar las cosas.
El conflicto armado con Marruecos terminó en septiembre de 1991. El no armado, sigue presente. Las heridas de esta lucha todavía siguen abiertas, quizá más de lo que puede parecer. No hay victimismo, solo una enorme perseverancia que deviene de conocer cuáles son las posibilidades reales de cambiar las cosas.
Restos de vehículos están esparcidos por todas partes y adoptan funciones insospechadas. Motores, ruedas y piezas mecánicas dan forma y construyen los espacios que asumen el papel de calles y caminos. Los chasis semejan esqueletos de animales imposibles que parecen anunciar un futuro demasiado parecido al presente. Premoniciones que provocan una cierta inquietud.
Lo que no puede repararse, se intenta preservar ocultándolo con mantas y alfombras a la espera de tiempos mejores. Lo que no tiene remedio, se deja expuesto. Lo que puede solucionarse, se preserva. Es imposible sobrevivir aquí sin esta capacidad de perseverancia y sentido práctico.
Lo que no puede repararse, se intenta preservar ocultándolo con mantas y alfombras a la espera de tiempos mejores.
Las únicas ruinas son las construcciones en las que se mantenían a los prisioneros marroquíes durante el conflicto armado, y que fueron liberados posteriormente. Este es el único lugar que habla de un tiempo anterior. Todo lo demás, se reconstruye una y otra vez con un perseverante mimetismo.
La actividad económica es muy escasa en los campamentos. Hay un pequeño comercio interno, y es habitual que las familias tengan unas pocas cabras o incluso algún camello, recuerdo de la actividad que fue la base de su economía. Las cabras suponen una ayuda en la alimentación que proviene casi en su totalidad de la ayuda internacional. Estos animales se han convertido en un símbolo de la supervivencia en este inhóspito lugar; pueden sobrellevar las condiciones más duras y alimentarse de cualquier cosa, o casi.
Hay una esperanza dividida. Miran el desierto y dicen que nunca saldrán de este lugar. Señalan a los niños y dicen que puede que haya una salida para ellos. Quizá la vía diplomática pueda al fin solucionar este conflicto, aunque ya se ha anunciado tantas veces que nadie lo cree ya. Un licenciado en económicas que estudió en Argelia, y que ahora enseña informática en primaria por cincuenta euros al mes, muestra su enfado al decir que su propio gobierno se ha vuelto corrupto y que ya no les interesa solucionar nada porque se vive bien a cuenta de la cooperación internacional.
Hay una esperanza dividida. Miran el desierto y dicen que nunca saldrán de este lugar. Señalan a los niños y dicen que puede que haya una salida para ellos.
La televisión e internet suponen ventanas a otro mundo. No deja de ser paradójico que enterrar una antena sea la manera de conseguir que reciba algún tipo de señal. De nuevo, la ocultación. Muchos oídos y pocas voces.
La puerta de la jaima siempre se abre hacia el sur. El lugar de la vida familiar por excelencia y que tanta importancia ha tenido en la vida nómada del pueblo saharaui. Las jaimas recuperan su protagonismo cada vez que es necesario reconstruir las construcciones de adobe. Las baterías de coche forman parte del mobiliario habitual y que permite almacenar electricidad durante el día para encender alguna bombilla y puede que un pequeño televisor al anochecer.
Los muros de adobe ofrecen poca resistencia a la lluvia. Pocos edificios han quedado en pie tras las últimas lluvias. El proceso de reconstrucción es inevitable. Algunos privilegiados mejoran los materiales de construcción, aunque todo el mundo se pregunte de donde procede el dinero para pagarlos.
Comienza a llegar el tendido eléctrico y el wifi. Una mejora en la calidad de vida, sin duda. Algunas voces apuntan a que la permanencia en este lugar se ve mejor a la luz de una bombilla y con mensaje de whatsapp.
Este territorio es un lugar inhóspito, con solo dos estaciones: invierno, donde son frecuentes las temperaturas de un grado y verano, donde los termómetros alcanzan con frecuencia los sesenta. La vida aquí es una especie de milagro; frágil, sin duda.
Una mejora en la calidad de vida, sin duda. Algunas voces apuntan a que la permanencia en este lugar se ve mejor a la luz de una bombilla y con mensaje de whatsapp.
Toda la población infantil está escolarizada entre los cuatro y los doce años. En Smara, existe una escuela para niños y niñas con deficiencias tanto físicas como psíquicas. El Centro de Castro es un lugar tan sorprendente como inesperado en un campamento de refugiados. Un mundo inesperado. Como anuncia un cartel a la entrada del recinto: «Aquí no crecen ni plantas ni árboles, pero florecen personas”.
La onda media ha sido el medio de comunicación por excelencia para conocer lo que ha sucedido durante estos cuarenta años. La radio ha sido hasta hace bien poco lo que ha permitido estar en contacto con el resto del mundo. Quizá la era de internet haga que las voces no vayan solamente en una dirección.
Quizá la era de internet haga que las voces no vayan solamente en una dirección.
Fuco Reyes – Premios
Lux Bronce Arquitectura. XVII Edición PREMIO NACIONAL DE FOTOGRAFIA PROFESIONAL.
Lux Bronce Interiorismo y decoración. XVIII Edición PREMIO NACIONAL DE FOTOGRAFIA PROFESIONAL.
Lux Oro Fotografía Industrial XVIII Edición PREMIO NACIONAL DE FOTOGRAFIA PROFESIONAL.
Seleccionado en la edición de FOTORAPA 2010
Finalista XIX Edición PREMIO NACIONAL FOTOGRAFIA PROFESIONAL
Lux Plata Fotografía Paisaje y naturaleza XX Edición PREMIO NACIONAL DE FOTOGRAFIA PROFESIONAL.
Finalista XX Edición PREMIO NACIONAL FOTOGRAFIA PROFESIONAL en la categoría de Fotografía de ARQUITECTURA
Lux Oro Fotografía Industrial XXI Edición PREMIO NACIONAL DE FOTOGRAFIA PROFESIONAL.
Lux Bronce Fotografía Industrial XXII Edición PREMIO NACIONAL DE FOTOGRAFIA PROFESIONAL.
Lux Bronce Fotografía Proyecto Personal XXII Edición PREMIO NACIONAL DE FOTOGRAFÍA PROFESIONAL.
Lux Bronce Fotografía Industrial XXIII Edición PREMIO NACIONAL DE FOTOGRAFIA PROFESIONAL.
Lux Plata Fotografía de Bodegón XXIII Edición PREMIO NACIONAL DE FOTOGRAFIA PROFESIONAL.
Descubrimientos PHOTOESPAÑA 2015 y 2016
Enlaces Fuco Reyes
Judith Prat - Salud y mujer en Cuba
Salud y Mujer en Cuba por Judith Prat
Cuba tiene un sistema gratuito y universal de salud. La atención directa de los médicos (la prevención, atención primaria y hospitalización) se produce de manera igual en toda la isla y para los once millones de personas. La salud materno infantil es una de las prioridades del sistema sanitario.
Este reportaje recorre la atención primaria a las mujeres y la infancia en diferentes puntos de la isla, desde alejadas zonas rurales hasta la capital.
Manicaragua, Agramonte, La Habana, 2014
Judith Prat
Tras licenciarse en derecho empezó a formarse en fotografía documental y fotoperiodismo. Pronto fue consciente no sólo de su pasión por la fotografía sino también del poder de la imagen para contar algunas de las realidades con las que se encontraba. Su trayectoria como fotógrafa viene definida por su interés en contar lo que ocurre, por sacar a la luz realidades que en ocasiones no son visibles, por plasmar en imágenes pequeñas historias de personas anónimas que en realidad están contando cómo es el mundo en el que vivimos.
En los últimos años ha fotografiado diferentes temas de actualidad como las condiciones de vida de los presos en las cárceles de Panamá; las consecuencias de la crisis para los inmigrantes que viven en España; el trabajo en las minas de coltan en el este de la RD del Congo; o la vida de los refugiados sirios en los países vecinos.
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